Mi piacerebbe far conoscere a tutti gli amici del sito di Gino Ramaglia gli incontri e le mostre d'arte della ns citta'.

Rosa

Ottimo!...

bella iniziativa...

se riesci ad aggiornare questo post puoi essere di grande aiuto...

io farò altrettanto...

visita il sito

Donna Marée Wilding

oops, not so perfect

  Dal 25 febbraio al 30 aprile 2006 personale alla Galleria Overfoto a Via San Pietro A Maiella 6 “Opps, not so perfect” è una mostra-installazione composta di 11 tele di 55x55 cm, uno specchio, un oggetto in una scatola e una composizione musicale.

andersen christian

2005

Bag

sculture

Palazzo Forti espone la sua Collezione Permanente

inaugurazione venerdì 24 marzo | ore 18.00 | galleria d'arte moderna palazzo forti | verona


La Galleria d'Arte Moderna Palazzo Forti di Verona espone dal 25 marzo 2006 in modo permanente la propria Collezione, un patrimonio artistico di oltre 150 opere. Le tradizionali grandi mostre saranno, invece, allestite negli spazi del prestigioso Palazzo della Ragione, attualmente in restauro.
Da Francesco Hayez a Cindy Sherman, da Guido Trentini a Vanessa Beecroft, da Felice Casorati a Giulio Paolini, i capolavori di artisti ormai consolidati nella storia dialogano con le realtà culturali in atto. Le quattro sezioni in cui si articola la rassegna - dedicate ai temi di spazio, oggetto, volto e corpo - propongono un itinerario, un modo attuale e problematico di riflettere sull'arte degli ultimi due secoli, sulle continuità e discontinuità che costituiscono il terreno scosceso ed emozionante su cui si è mossa.
Filo conduttore del percorso è, quindi, la consapevolezza dell'uomo contemporaneo di accettare la sfida della sua epoca, di muoversi cioè in quello spazio e in quel tempo infiniti che si nascondono dietro lo sguardo con cui il mondo e i suoi misteri si presentano all'esperienza dell'amore e del tormento, della vita e della morte, dell'ansia e della speranza.
Da sempre lontana dalle ricerche più convenzionali, Palazzo Forti ha contribuito di mostra in mostra (ricordiamo "Da Magritte a Magritte" del 1991, "Da Duchamp a Warhol / Dadaismo Dadaismi" del 1997, "La Creazione Ansiosa. Da Picasso a Bacon" del 2003) ad un rinnovamento dei parametri attraverso cui considerare la Storia dell'Arte, trovando le ragioni di un'opera d'arte nell'inconscio, motore della creazione artistica e dell'esperienza estetica.
L'approccio ideologico, che ha dominato fino a ieri attraverso la distinzione in tendenze, in poetiche, in avanguardie, ritorni all'ordine e neo-avanguardie, mostra ormai i limiti di una classificazione spesso prefabbricata e scarsamente attinente al brivido creativo che promuove l'epifania dell'arte.
Le opere da tempo in collezione e le più recenti acquisizioni (Franz Baumgartner, Alik Cavaliere, Marco Fantini, Patrizia Guerresi, Simone Pellegrini, Luigi Presicce, Daniel Spoerri e Antonio Trotta) catturano il visitatore in un emozionante "viaggio", permettendogli di entrare in contatto con il tempo della creatività, che disattende ed incrocia quello reale, attingendo dal passato e forzando i limiti del presente.

L'INFINITO DENTRO LO SGUARDO. UNA COLLEZIONE PERMANENTE
Dal 25 marzo 2006
Conferenza stampa:giovedì 23 marzo 2006 ore 11.30 Galleria d'Arte Moderna Palazzo Forti (partenza pullman da Milano, P.zza Castello ore 9.00)
Orario: dal martedì al venerdì ore 9.00-19.00, sabato e domenica ore 10.30-19.00 (chiusura biglietteria ore 18.00)
Ingresso: biglietto intero 5 euro, ridotto 4 euro
Galleria d'Arte Moderna Palazzo Forti
vicolo Volto due Mori, 4 (Corso Sant'Anastasia) 37121 Verona
Informazioni: 045 8001903
palazzoforti@comune.verona.it
Ufficio stampa:
045 8001903 (int.3) - 3357569331
palazzoforti.press@comune.verona.it

ARTE CONTEMPORANEA

LUIGI GHIRRI allo Studio Trisorio di Roma
7 aprile - 30 maggio 2006
 
 
Venerdì 7 aprile alle ore 19.00, presso lo Studio Trisorio di Roma in Piazza del Fico, sarà inaugurata una mostra di fotografie di Luigi Ghirri  intitolata Archivi della Memoria.
 
I musei, luoghi che custodiscono e rivelano la memoria, sono sempre stati per Luigi Ghirri un ambito di grande suggestione oltre che un campo di sperimentazione privilegiato. Attraverso la fotografia - intesa come processo di attivazione della memoria - Ghirri ricercava in questi spazi silenziosi l’essenza del concetto stesso di memoria. Traducendo la situazione osservata in immagine, la volontà era infatti quella di “fissare” l’azione propria del guardare, intesa come possibilità di vedere all’interno degli oggetti e della loro storia per restituirli così trasfigurati alla nostra memoria più profonda.
 
A partire da un primo vintage print del 1973 dalla serie Diaframma 11, 1/125, luce naturale e da alcuni lavori degli anni Ottanta appartenenti alla serie Paesaggio Italiano, in cui fondamentale è la figura ripresa di schiena nell’atto del guardare, un insieme di opere, che rappresenta un pubblico in movimento, sottolinea l’attenzione non tanto per gli individui all’interno dello spazio quanto piuttosto per il loro essere tramite di un fenomeno percettivo.
 
A completare il discorso, opere fotografiche in totale assenza di persone, dove predominante è la staticità – come la Psiche del Museo Archeologico di Napoli – e in cui la fotografia coincide con la memoria stessa dell’oggetto fotografato, in un processo di totale astrazione che ha ben chiara la lezione del surrealismo.

La mostra è curata dal Fondo Eredi Luigi Ghirri ed è inserita nel programma di FotoGrafia - festival internazionale di Roma 2006

 
STUDIO TRISORIO
Vicolo delle Vacche, 12 (Piazza del Fico)
00186 Roma
Tel/fax 06 68136189
trisorioroma@libero.it
martedì/sabato ore 16.00-20.00
fino al 30 maggio

THE WRONG GALLERY 1:6 Scale THE WRONG GALLERY Launch in London at RS&A   On view on and after march 30th at: RS & A LTD 50b Buttesland Street Hoffman Square London N1 6BY t. +44 (0)20 7253 7444 f. +44 (0)20 7253 7555

RS&A LTD in association with CEREALART are delighted to announce the UK launch of The 1:6 scale edition of THE WRONG GALLERY. On view will for the launch is a special commission by TIM NOBLE & SUE WEBSTER. This is a unique work and not an edition.   The Wrong Gallery is a project from Maurizio Cattelan, Ali Subotnick and Massimiliano Gioni. It is an edition of 1:6 scale (45 h x 28 w x 6 d cm) reproductions of New York's smallest exhibition space, now in the Tate Modern. Please contact RS&A, the exclusive Wrong Gallery representative in the UK, for viewing and purchase information. For viewing and purchasing information for other parts of the world please visit Cerealart.com. RS&A is a London-based company dedicated to producing innovative projects with contemporary artists. They have recently commissioned chess sets designed by Damien Hirst, Jake and Dinos Chapman, Paul McCarthy, Yayoi Kusama, Maurizio Cattelan, Rachel Whiteread, Tunga, Matthew Ronay, Barbara Kruger and Tom Friedman. Also, please visit the Berlin Biennial, opening on March 24, 2006, curated by The Wrong Gallery and "Down by Law", an installation by The Wrong Gallery at the Whitney Biennial. Click Here for more information about Cerealart.

Marco Cerutti alla galleria Angelart & Desig a Milano

inaugurazione 28 marzo 2006 | ore 18.00 | a cura di ivan quaroni | angelart & design | milano

La galleria Angelart & Design è lieta di presentare Tokyo Blues, mostra personale di Marco Cerutti. Per l'occasione, l'artista torinese esporrà una serie di nuovi lavori che vedono protagonista Tokyo. La megalopoli giapponese è per Cerutti soprattutto una città "altra", un luogo alieno alla nostra cultura, più prossimo alle immagini della letteratura e del cinema, ma anche un modo per indagare le possibilità di una pittura realistica e fantastica insieme.
Marco Cerutti appartiene alla generazione cresciuta guardando i cartoni animati giapponesi. Una generazione, che negli anni Novanta ha assistito alla manga invasion e che, ai tormentoni natalizi della Disney, preferisce forse i film animati di Katsuhiro Otomo (Akira) e di Masamune Shirow (Ghost in the Shell).
Logico, dunque, che dovendo scegliere un luogo ideale in cui ambientare le sue visioni Marco Cerutti abbia scelto proprio Tokyo, tanto più in quella versione notturna - vivificata dalla invasiva presenza d'insegne pubblicitarie - che è la stessa ammirata nelle immagini di Lost in translation, la fortunata pellicola di Sofia Coppola.
Nelle opere dell'artista torinese, la città diventa una presenza visivamente ingombrante, un caleidoscopio di luci e colori, dove si alternano le insegne delle grandi multinazionali, fino a comporre una seducente texture di pannelli al plasma e di schermi ai cristalli liquidi, dove ininterrottamente scorrono incomprensibili messaggi promozionali.
Questa città di luce, così diversa dalle austere capitali europee, ma tanto più simile alle altre megalopoli asiatiche (da Hong Kong a Taiwan, da Singapore a Kuala Lumpur, da Shenzhen a Bangkok), si trasforma, negli olii su tela di Cerutti, in un puro pretesto pittorico.
Le piazze, le strade, il traffico fluviale delle auto in coda, la folla apparentemente silenziosa, tutto, insomma, slitta in secondo piano per lasciare spazio all'apoteosi della illuminotecnica. I colori sparati dalle insegne pubblicitarie prendono il sopravvento sulle quinte del cielo notturno e le forme e i contorni scivolano lentamente dal realismo di marca fotografica in una sinfonia astratta di codici e linguaggi cifrati. Tokyo diventa allora ciò che Roland Barthes ne L'Impero dei segni definisce "l'agglomerato frusciante di una lingua sconosciuta". Un luogo insondabile, un ricettacolo di alterità che avvolge, con la sua pelle luminosa, la coscienza del gaijin, dell'ospite, insomma dello straniero.

MARCO CERUTTI. Tokyo Blues
Dal 28 Marzo 2006 al 13 Maggio
Orari: dal lunedì al venerdì; h. 10.00-13.00/15.00-18.00
Angelart & Design
via Solferino 3, 20121 Milano
Tel/ Fax (+39) 0286915812
info@angelartdesign.it
www.angelartdesign.it

Angelo Capasso inaugura la Galleria Armory Arte a Perugia con Alberto Di Fabio

inaugurazione 30 marzo 2006 | ore 18:00 | a cura di angelo capasso | armory arte contemporanea | perugia


La galleria Armory Arte Contemporanea inaugura il proprio nuovo spazio espositivo con un progetto di mostre curato da Angelo Capasso.
La galleria intende proporre il lavoro di giovani artisti e di artisti affermati del panorama corrente dell'arte contemporanea attraverso mostre rappresentative dei movimenti e del gusto corrente proposto dalla scena attuale, ponendo particolare attenzione al collezionismo locale e nazionale.
La mostra di Alberto Di Fabio è la prima tappa di questo percorso.
Alberto Di Fabio è uno degli artisti più promettenti del nuovo paesaggio della pittura italiana e internazionale. "Le opere di Alberto Di Fabio hanno potenziato l'aspetto visionario dello sguardo da artista, tanto da generare una filosofia visiva senza forme, ovvero attraverso elementi che dobbiamo scrutare a lungo per dargli un nome. L'Universo, e l'universalità delle forme che trovano espressione nel Cosmo, nelle opere bidimensionali di Di Fabio assume le sembianze di un iconografia organica fatta di cristalli, minerali, lastre di materiale lavico, rocce e paesaggi lunari che è difficile riconoscere nel nostro ambiente naturale, col quale condividono però delle profonde assonanze. Sono reperti di un Universo che ci parla della nostra sfera celestiale." (Angelo Capasso).
Il catalogo della mostra è un oggetto editoriale che contiene il testo critico di Angelo Capasso su Di Fabio "Cosmografie, nel loro Universo discreto" e raccoglie un gran numero di opere dell'artista per documentarne il percorso creativo.

Alberto di Fabio (Avezzano, 1966).
Mostre personali recenti: NMB Studio, Torino, 2006; Galleria PACK, Milano, 2005; Galerie Steinle, Munich, 2005; Tarotorino, nmb studio, Torino, 2004; Ri-impianto, Umberto Di Marino Arte Contemporanea, Giugliano, Napoli, 2004; Gagosian Gallery, Los Angeles, 2004; Galerie Vedovi, Bruxelles, 2003; Jan Wagner Gallery, Berlino, 2001.
Mostre collettive recenti: "The Season- Volume tre: modulazioni di memorie", Galleria Pack, Milano, 2005; XXVI Premio di Arte Contemporanea Enrico Mattei, 2004; "Romaduemilatre", Galleria Pack, Milano, 2003; "Nel Corpo dell'imagine", XXXVI Premio Vasto, Musei Civici in Palazzo d'Avalos, Vasto, 2003; "From Italy", a cura di White Project, Renato e Mauro Bianchini, Flash Art Museum, Trevi, 2003; "Luoghi d'Affezione", International Kunstzentrum Ostbelgien-Eupen, Grand'Place - Bruxelles, 2003; "Contents", Briggs Robinson Gallery, New York - Earl McGrath Gallery, New York, 2002; "Site Unseen", James Kelly Contemporary, Santa Fe, New Mexico, 2001.

Alberto di Fabio
Dal 30 marzo 2006
Armory Showroom Arte Contemporanea
Via Calderini 9 - 06100 Perugia
Tel: +39 0755734088
www.armoryarte.com

Federico Herrero e Nic Hess alla Bevilacqua La Masa di Venezia

inaugurazione 6 aprile | ore 18.30 | galleria di piazza san marco della fondazione bevilacqua la masa | venezia


Muri di colore. Che sia pittura, nastri adesivi o stampe plotter non ha importanza. Il visitatore si sentirà comunque avvolto dall'acceso cromatismo che accomuna due artisti differenti ma consentanei, che hanno deciso di decorare insieme la Galleria di Piazza San marco della Fondazione Bevilacqua La Masa. Si tratta di Federico Herrero (Costa Rica 1978) e da Nic Hess (Zurigo 1968), giovani emergenti internazionali.
Ma la loro energia non resterà confinata nelle sale della galleria: il centro urbano verrà animato da gonfaloni dipinti appesi nei ponti e nelle facciate dei palazzi veneziani e sui muri di legno dei cantieri di lavoro, dati in gentile concessione dalla società Insula. Una doppia esposizione, quindi, per la quale entrambi gli artisti hanno pensato opere inedite e realizzate apposta per i siti prescelti.
Camminare a Venezia è uno degli aspetti più ricchi e contraddittori della città: da una parte, chi vi abita e che non può spostarsi in modo diverso, se non usando i vaporetti. Peraltro, proprio questo transitare forzatamente a piedi o sull'acqua aumenta il fascino della città anche da un punto di vista umano: a Venezia non si possono calcolare i tempi di percorrenza perché si incontra sempre almeno un amico. L'esposizione Walls intende fare perdere un po' di tempo anche a guardare le decorazioni poste sui ponti e sulle facciate dei palazzi, così come sui grandi scatoloni che ospitano i cantieri.
Per chi non vive a Venezia, il camminarvi può significare l'angoscia di perdersi, il piacere di ritrovarsi, il gusto del labirinto e della continua scoperta; nella memoria, però, tutto si amalgama in un unico susseguirsi di fondamenta, canali e ponti. Decorare ed evidenziare i cantieri della città come un elemento che non disturba ma, anzi, arricchisce la visita, significa anche riconoscere che siamo in una città vitalissima. Dai cantieri medesimi emerge l'immagine di una città che non è affatto in decomposizione, ma al contrario in composizione continua, in restauro, in vivace ripensamento di se stessa.

FEDERICO HERRERO
La sua formazione ha abbracciato numerosi campi, da quello dell'architettura all'insegnamento per l'infanzia. Ha comunque sempre dipinto, fin da piccolo, per poi assumere come riferimenti specifici la concezione dello spazio nei quadri di Sebastian Roberto Matta e, in secondo luogo, l'idea di animazione di uno spazio del messicano Gabriel Orozco. Vincitore per la giovane arte della Biennale di Venezia di Harlad Szeemann, presente nel volume sulla pittura internazionale Vitamin P (Phaindon Press), Federico Herrero lavora direttamente sul muro, sul pavimento, sull'asfalto o più tradizionalmente su tela, creando ambienti in cui tutte queste modalità si amalgamano e si compenetrano. Alcuni segni ricordano quelli della viabilità, come a evocare la strada e la sua capacità di dare alla pratica della pittura un carattere funzionale; altri nascono senza disegno né progetto, quasi come graffiti, tesi ad assecondare soprattutto le macchie di umidità o le imperfezioni preesistenti della superficie. Le immagini si concentrano nei punti di asperità architettonica e nelle zone in cui sembra coagularsi una sorta di necessità di espressione da parte dello spazio medesimo. La pittura di tradizione occidentale viene dunque accettata ma anche resa problematica e posta in condizione di dialogo con l'architettura. In questi dialoghi la pittura sui muri assume una via mediana, tra quella "utile" che contrassegna le strade e quella "inutile" che anima i quadri.
NIC HESS
Le installazioni site specific di Nic Hess, paragonabili a dipinti- collage a 3D, prendono in prestito, contaminandoli, i segni del mondo contemporaneo. Il desiderio di possedere cose non è più dominante nel nuovo stile di vita, bensì è molto importante essere parte di una rete che dia accesso a tutti i nostri desideri e di conseguenza non ci curiamo più dell'originalità dei beni, né dei marchi e dei luoghi ad essi legati. Con nastri adesivi, stampe plotter e altri materiali prodotti industrialmente come le vernici luminose, Nic Hess pone quindi i loghi di marche status-symbol come Puma, Nike, Shell e Ferrari, i nuovi contesti estetici privandoli del loro contenuto originale a favore di un nuovo valore decorativo. L'artista gioca così con i significati, crea nuove prospettive , mette in movimento elementi statici. Attraverso riferimenti simultanei a marche commerciali, alla storia dell'arte e alla cultura pop, l'iconografia di Nic Hess si dissolve in un'altra realtà.

Walls / Muri. Federico Herrero e Nic Hess
Dal 7 aprile al 5 giugno 2006
orario: tutti i giorni, chiuso il martedì, 12-18
Fondazione Bevilacqua La Masa - Galleria di Piazza San Marco
Piazza San Marco 71c (30124)
tel. +39 0415207797
info@bevilacqualamasa.it
www.bevilacqualamasa.it
Assiti Insula
Riva degli Schiavoni, Stazione Ferroviaria

Giacomo Costa, Paolo Fiorentino, Marotta & Russo da Sergio Tossi a Firenze

inaugurazione domenica 2 aprile 2006 | ore 11.30 | sergio tossi arte contemporanea | firenze


Il paesaggio urbano come illusione ottica ed esistenziale. E' una sorta di filo rosso che lega i lavori di Giacomo Costa, Paolo Fiorentino e del duo Marotta & Russo. Tutto ruota intorno all'elaborazione elettronica che dà vita ai lavori di questi artisti, con procedure ed esiti assai differenti, a ribadire come il mouse sia solamente una sorta di pennello da terzo millennio per l'arte digitale. Il fiorentino Giacomo Costa costruisce le sue città fantascientifiche, più vere del vero, con tratto pittorico e lucidità fotografica (ma la fotografia, al contrario di quanto sembra a prima vista, non viene proprio usata in questa sua ultima serie delle "vedute"). A sua volta il romano Paolo Fiorentino costruisce avveniristiche e metafisiche metropoli dipingendo in maniera classica, olio e smalti su tela, con un'ironia di fondo che sdrammatizza il bianco e nero quasi totale delle immagini. Infine Marotta & Russo, talentuosi graphic designers udinesi, che partendo dalla destrutturazione dei siti web, ricostruiscono coloratissimi skylines tanto finti quanto credibili. Come se il vecchio lego fosse "finalmente" divenuto il mattone su cui costruire le nostre città. Per loro anche una serie di video che completano una mostra di grande impatto visivo. La presenza di questi tre artisti rappresenta un'interessante anticipazione di altrettante mostre personali che saranno organizzate dalla Galleria nei prossimi mesi, a cominciare da quella di Marotta & Russo nel giugno prossimo.

TOWNLOADING. TRE ILLUSIONI URBANE
Giacomo Costa, Paolo Fiorentino, Marotta & Russo
fino al 4 maggio
orari: dal martedì al venerdì dalle 15.00 alle 19.00
sabato dalle 11.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 19.00
sergio tossi arte contemporanea
via ippolito pindemonte 63
tel 055 2286 163
fax 055 2306 256
info@tossiarte.it
www.tossiarte.it

I disegni di Enzo Cucchi a Villa Medici

fino al 21 aprile 2006 | a cura di ludovico pratesi | accademia di francia - villa medici | roma


L' Accademia di Francia a Roma - Villa Medici, ha inaugurato una mostra di disegni di Enzo Cucchi, a cura di Ludovico Pratesi. Le opere (tre grandi quadri e 130 disegni di piccole dimensioni) saranno riunite in una sorta di installazione nell'Atelier del Bosco. L'Accademia di Francia a Roma, diretta da Richard Peduzzi presenta, per la prima volta in Italia, una mostra interamente dedicata a questo particolare aspetto del lavoro di Enzo Cucchi.

Entra! è una mostra da vivere come un'esperienza. Decine di disegni di Enzo Cucchi ci permettono di entrare nel cuore della sua ricerca, dove si addensano spunti, riflessioni, memorie e progetti. E prendono corpo in un ambiente dominato dalla presenza di centinaia di segni, sospesi nell'aria come stormi di immagini in libertà, che si depositano all'interno dell'Atelier del Bosco secondo traiettorie misteriose. Per la prima mostra pubblica in Italia interamente dedicata ai disegni di Enzo Cucchi, l'artista ha immaginato un allestimento che qualifica lo spazio espositivo, al di là di regole o convenzioni. Così, il visitatore è accolto da una struttura che occupa diagonalmente l'ingresso dell'atelier, dove all'interno sarà possibile intravedere le prime opere in mostra: grandi disegni su carta disposti in diagonale, come affreschi impazziti che sfuggano alle consuete regole della prospettiva. L'aula rettangolare dell'Atelier del Bosco ha invece l'aspetto di una sorta di "cattedrale del disegno", dove i fogli di carta galleggiano nello spazio carichi del loro universo di figure, ribelli e selvatiche, pronte a depositarsi sulla tela per farsi quadro o affresco. Così Cucchi ha interpretato un luogo solenne e carico di memorie come l'Accademia di Francia, invadendo con il suo mare di carta l'atmosfera mistica e silenziosa dell'antico studio di Balthus, allora torre d'avorio inaccessibile e oggi luogo aperto ai diversi impulsi e sperimentazioni provenienti dal mondo dell'arte contemporanea.
La mostra sarà accompagnata da un catalogo con un'intervista all'artista di Ludovico Pratesi, una conversazione a tre tra Enzo Cucchi, Giacinto di Pietrantonio e Hans Ulrich Obrist e le riproduzioni a colori delle opere in mostra.
Le attività culturali dell'Accademia di Francia a Roma sono realizzate sotto l'alto patronato del Ministère de la culture et de la communication e il sostegno di Air France.

Entra! I disegni di Enzo Cucchi
fino al 21 aprile 2006
Orario: 11.00 - 19.00 (continuato). Giorno di chiusura: lunedì
Ingresso: 4,5 euro (Entra! di Enzo Cucchi), 9 euro (due mostre Damiani, de Nobili, Tosi. Scene e costumi. Tre grandi artisti del XX secolo e Entra! di Enzo Cucchi)
Académie de France à Rome - Villa Medici
Viale Trinità dei Monti, 1 - Roma
www.villamedici.it
Ufficio stampa: Avril Cassanas
Tel +39 06 67 61 291
Fax fax +39 06 67 61 243
stampa@villamedici.it
Contatto Ufficio Comunicazione
Muriel Sautour
communication@villamedici.it

Eterno Presente Primordiale alla Art Sinergy di Bologna

inaugurazione sabato 1 aprile 2006 | ore 18.30 | a cura di gianluca marziani | galleria art sinergy | bologna


ETERNO. come il valore universale dell'immagine pittorica
PRESENTE. secondo l'identikit di un'attualità necessaria
PRIMORDIALE. perché solo la memoria edifica la coscienza del presente

Una proposta oltre le tematiche, oltre le comunanze formali, oltre le realtà geografiche, oltre i vincoli anagrafici.
Un percorso dove l'immagine contemporanea diversifica le sue filiazioni e contaminazioni.
Una mostra che lascia parlare la pura qualità degli immaginari e dei mondi che ogni artista evoca.

I cinque artisti vivono e lavorano in Italia. Appartengono alle vicende figurative che hanno traghettato gli anni Novanta verso il presente. Le loro storie creative sono cresciute con qualità interiore e giusta pazienza, talento visivo e linearità dei contenuti. Hanno molto da dimostrare ma hanno già mostrato il loro sguardo in una carriera (finora) calibrata e coerente.
Angelo Bellobono
La pittura che congela idealmente i corpi per indagarne i processi interiori. Lo sguardo dell'artista ruota attorno alla chimica, centro dell'universo con cui si regolano i processi vitali. L'inquadratura si concentra sul volto, sulle posture, sugli occhi che sembrano immersi nel ghiaccio emozionale. Emergono segni ed altri interventi pittorici che costituiscono il profilo interiore dei protagonisti, la loro condizione reale ma anche subliminale. Un flusso umano attorno alla chimica che costituisce il visibile e l'invisibile del reale. Ma anche un viaggio dove si disvelano emozioni, fisicità, vie spirituali. Storie nascoste in cui artificiale e naturale si mescolano sotto la pelle del quotidiano.
Marco Colazzo
I processi linguistici della pittura, mescolati ad un'analisi sulle identità della figura, sono una costante nel lavoro di Colazzo. La cultura dell'astrazione gestuale, per capirci, invade i fondali e crea intrecci di varia specie. Sopra vi si staglia il frammento improvviso e destabilizzante: ieri alcuni dettagli corporei (una bocca, un naso, un orecchio.), oggi una serie di corpi inanimati (pupazzi, marionette, bambole.) che usano il contrasto stilistico per emergere dalla liquidità colante dei fondi. Una pittura di solido impatto per riflettere sugli archetipi del linguaggio e, parallelamente, su come quest'ultimo sia lo specchio di vicende soggettive che appartengono allo spirito del proprio tempo.
Franco Giordano
Le immagini giungono dalle fotografie che scatta l'artista, un diario privato per scandire gli eventi attraverso frammenti di significativa normalità. Da quelle foto nasce l'elaborazione digitale che determinerà, attraverso la divisione in isole cromatiche, la struttura da dipingere. Il risultato offre la scansione emotiva del racconto pittorico, completando la visione su un quotidiano che diventa archetipo di una contemporaneità reale ma anche interiore. Una pittura piatta che l'artista sta portando avanti da svariati anni, confermando la coerenza di un linguaggio sempre più universale, denso di contenuti ed emozioni sotto la sua pelle sintetica.
Giorgio Lupattelli
Il mondo come gigantesco contenitore di spunti, prelievi e combinazioni. Per Lupattelli il materiale utile arriva dal cinema, dalla tv, dai giornali, dal web e da ogni piattaforma che proponga fatti, eventi, situazioni. Per diversi anni l'autore ha selezionato e unito elementi che avevano nuovo senso nel montaggio soggettivo. Di recente si sta concentrando sul dettaglio degli elementi reali, andando nell'interno del corpo, dentro un motore meccanico, dentro strutture che hanno una loro vitalità organizzata. Un dipingere che affonda nell'invisibile delle cose visibili, dentro le dinamiche morali della vita. Un nuovo umanesimo tra tecnologia e qualità dei processi elaborativi.
Matia
In passato creavano piccoli set che diventavano lo scenario dei loro quadri. Oggi ricostruiscono le immagini iniziali attraverso la grafica digitale ma il processo non cambia: si stampa l'opera su tela per poi intervenire pittoricamente con modalità mimetiche, al perfetto confine tra sensualità manuale e tensione elettronica. Entrare nel Matialand significa varcare la soglia di luoghi misteriosi, al confine tra passato romantico e fantascienza evoluta. Non a caso i quadri nascono da una campionatura sistematica di luoghi e situazioni anche molto diversi ma con un obiettivo comune: evocare mondi mentali tramite emozioni, ricordi ancestrali, richiami letterari e filmici, memorie artistiche.

Eterno Presente Primordiale
Artisti: Marco Colazzo, Franco Giordano, Angelo Bellobono, Francesco Luppatelli e Matia
Dal 1 aprile 2006
Orario: Martedì - Sabato 16.30 / 20.00
Galleria Art Sinergy
Via San Giorgio 3 - 40121 Bologna
Tel. +39 051 5871145
artsinergybo@artsinergy.com
www.artsinergy.com
Ufficio Stampa: Olivia Spatola

Francesco e Innocenzo Torriani al Museo d'Arte di Mendrisio

conferenza stampa giovedì 6 aprile 2006 | ore 11.00 | inaugurazione sabato 8 aprile 2006 | ore 17:00 | museo d'arte mendrisio | mendrisio


L'esposizione organizzata dal Museo d'Arte Mendrisio, a cura di Laura Damiani Cabrini e di Anastasia Gilardi, si incentra sulle personalità dei pittori secenteschi originari di Mendrisio Francesco (1612-1683) e Francesco Innocenzo Torriani (1648-1700). La loro riscoperta si presenta come un importante tassello che si aggiunge al variegato mosaico di conoscenze sull'arte lombarda del Seicento. Padre e figlio, cui si deve la nascita della prima - in assoluto - bottega pittorica attestata stabilmente sul territorio della "Lombardia Svizzera", lavorarono attorniati da un cospicuo numero di allievi per soddisfare importanti commissioni destinate soprattutto ad edifici di culto. La loro opera, che non mancò di esercitare un impatto considerevole sulle vicende pittoriche in area insubrica fino ai primi decenni del Settecento, venne disseminata in tutta l'alta Lombardia: a Varese, Como, in Valtellina e in Valchiavenna. Ma la loro attività non si limitò alla regione lombarda; operarono anche per prestigiosi committenti in area tedesca, nei cantoni della Svizzera interna e alle abbazie dell'antica diocesi di Passavia, nella Bassa Baviera e nell'Austria settentrionale.
Se Francesco e Innocenzo Torriani godettero in vita di buona fama, come attestano i numerosi dipinti citati negli inventari delle migliori collezioni comasche e ticinesi, oltre alle importanti commissioni ricevute in ambito ecclesiastico, essa tuttavia si incrinò inspiegabilmente alla loro scomparsa. La loro notevole reputazione riecheggia ancora nei fondamentali dizionari d'arte tardosettecenteschi del Füssli e del Giovio, i quali contribuirono a delineare per entrambi una fisionomia artistica che oggi può in grandi linee essere confermata. Sia il Füssli che il Giovio sottolineavano gli addentellati della loro pittura con l'opera di Guido Reni, a tal punto - si dice - che i dipinti di Francesco venivano confusi con quelli del divino Guido, trovando così particolare fortuna nell'ambito nel collezionismo contemporaneo europeo, soprattutto inglese. Scarsamente considerati nel secolo successivo, allo studio dei due autori diede rinnovato impulso Giuseppe Martinola, le cui ricerche su Francesco e la bottega confluirono nella storica esposizione del 1958. Le curatrici si sono potute avvalere delle più vaste conoscenze filologiche e documentarie acquisite negli ultimi decenni sulla pittura del Seicento in area settentrionale, ciò che ha loro permesso di meglio valutare la produzione dei due artisti, e di costituire un catalogo di dipinti destinato nel tempo ad essere ulteriormente accresciuto.

Nato nel 1612 a Mendrisio, Francesco si formò tra Como, Bologna e Roma, dove soggiornò sicuramente tra il 1639 e il 1640. Nel suo stile colto e raffinato, per buona parte estraneo ai grandi filoni dominanti nella coeva tradizione milanese, confluiscono suggestioni derivate dalla lezione del Morazzone, ma anche evidenti aperture nei confronti del naturalismo caravaggesco, tradotto in un linguaggio austero e classicista. Il figlio Innocenzo nacque pure a Mendrisio nel 1648. Dopo un apprendistato sicuramente maturato nella bottega paterna, si affinò pittoricamente e culturalmente a Milano, nell'ambito dell'Accademia Ambrosiana di Antonio Busca. Da qui la ripresa dei cardini della pittura lombarda, riproposta in chiave scenografica e teatrale, con evidenti aperture barocche.
Il percorso dei due pittori viene messo a fuoco tramite le opere ospitate nei locali del Museo, alcune delle quali restaurate per l'occasione: una quarantina circa tra pale d'altare e dipinti di piccolo formato di collezione privata. Tra quelle di Francesco assume particolare rilievo la splendida serie delle Formelle del Rosario della Parrocchiale di Mendrisio, realizzata tra il 1653 e il 1660, e l'Immacolata Concezione del Santuario della Madonna dei Miracoli a Morbio Inferiore, restituita al suo smagliante repertorio cromatico dal restauro eseguito in occasione della mostra. Il percorso di Innocenzo si concentra su opere per la maggior parte inedite, che testimoniano la predilezione giovanile del pittore per un repertorio di genere che ha pochi confronti nella Lombardia del periodo. Affiancate alle opere dei due Torriani i dipinti che illustrano il contesto pittorico nel quale maturò il loro stile, come le tele lasciate in zona dall'affascinante figura del Maestro della Natività di Mendrisio; un'inedita serie di formelle del Rosario di Giovan Battista Discepoli, detto lo Zoppo di Lugano e una pala d'altare di Carlo Francesco Nuvolone.

Francesco e Innocenzo Torriani.
Opere e vicende di due artisti del Seicento
Dal 9 aprile al 18 giugno 2006
Da martedì a domenica: 10.00 - 12.00 / 14.00 - 17.00. Lunedì chiuso
Prezzi entrata: fr. 8/5 (? 6/3,5)
Prezzo Catalogo: fr. 40 (?28)
Specifica Catalogo: edizioni Museo d'Arte di Mendrisio, pp. 200; n. 55 tavole a colori e 40 b/n. Contributi di: Laura Damiani Cabrini, Anastasia Gilardi, Simone Soldini, Paolo Vanoli, Francesco Frangi, Lara Calderari
Catalogo e mostra: a cura di Laura Damiani Cabrini e Anastasia Gilardi
Mendrisio Museo d'Arte
Piazza San Giovanni
Casella postale 142. CH - 6850 Mendrisio
Telefono 0041 91.646 76 49
museo@mendrisio.ch
www.mendrisio.ch

REBECCA HORN

Il new folk arriva in Italia, alla Galleria Glance di Torino

inaugurazione venerdi 7 aprile | ore 18.30-20.00 | galleria glance | torino


Che la pittura stia vivendo un periodo di rinascenza e un forte interesse da parte del collezionismo internazionale non è cosa nuova. Nemmeno il fatto che si tratti di pittura figurativa. Ma quel che sta suscitando il maggiore interesse da parte dei circoli artistici è un fenomeno che ha come protagonisti un gruppo di artisti "New York based" e gallerie leader come David Zwirner, Daniel Reich e Zach Fuer (LFL). "neo-folk" è la denominazione che la critica militante ha confezionato per questa nuova tendenza, che si contraddistingue non semplicemente per il ritorno alla pittura e alla figurazione, bensì per un particolare tipo di narratività che si esprime in un linguaggio pittorico apparentemente modesto, volto alla ricerca della gradevolezza e un po' naïve. La "levity of tone" di questi lavori- la definizione è dell'artista Ridley Howard- testimonia indubbiamente il definitivo abbandono degli ideali utopici delle avanguardie - in realtà già trascinati via dal crollo delle ideologie negli anni Novanta del secolo scorso- ma testimonia anche un desiderio di schiettezza, moderazione, sensibilità, che per il critico del Financial Times Charlotte Mullis si è sviluppato parallelamente al cambio di umore da parte del popolo americano - dal sostegno alla diffidenza- nei confronti della guerra al terrorismo internazionale. La scelta di uno stile semplice, a tratti sgraziato, e la volontà di trarre ispirazione dalla cultura di massa -ma senza imitarla, come faceva invece la pop art- è dettata quindi da un' esigenza di comunicazione con il grande pubblico -non più con una cerchia ristretta di autocompiaciuti "happy few"- ed è sorretta da un' istanza etica che nella pittura neo-folk non scivola mai nel sociologismo artistico.
Il ritorno a una maggiore compostezza in periodo di crisi e ansietà nazionale non è nuovo nella storia dell'arte. Ne sono un esempio l'abbandono delle sperimentazioni avanguardistiche da parte di Picasso dopo la prima guerra mondiale, o la collezione di arte degli emarginati e dilettanti accumulata da Dubuffet e presentata come "art brut" dopo la seconda guerra mondiale. Anche lo stile Biedermeier -al di là della connotazione negativa che assumerà con l'affermarsi degli ideali rivoluzionari del 1848- si affermò come espressione di limpidezza, cordialità e ideali domestici, in una società che manifestava un bisogno diffuso di tranquillità dopo i burrascosi avvenimenti dell'età napoleonica.

Le opere di Benjamin Butler, Holly Coulis e Ridley Howard, presenti per la prima volta in Italia in questa mostra alla galleria Glance, mostrano una predilezione per i soggetti umili e legati alla quotidianità, in una sorta di sequela del "giusto mezzo" ciceroniano e confuciano che non è mai mediocrità, ma piuttosto sapiente abilità nel mescolare elementi stilistici della cultura "alta" con elementi stravaganti, sentimentali e sgraziati della cultura popolare.
Traendo ispirazione dalle canzoni pop e dal cinema della Nouvelle Vague, dai romanzi di Francis Scott Fitzgerald e dai cartoni animati, da Alex Katz come dai maestri della pittura rinascimentale, Coulis e Howard rappresentano situazioni banali trasfigurate in una visione epica che si stempera in atmosfere surreali e nel sarcasmo verso le classi agiate protagoniste di questi dipinti. In alcuni lavori di Coulis che ha esordito nel 2002 alla LFL Gallery di New York, il "ritorno alla natura" sembra esprimersi nelle curiose e a volte improbabili interazioni tra uomini e animali, entrambi rappresentati con amorevole cura.
La natura, la suggestione del paesaggio, in particolare di cieli vasti e senza limiti, conferiscono ai dipinti di Ridley Howard un aspetto straniante, perché alquanto improbabili nel contesto tutto sommato metropolitano rappresentato da questi dipinti. L'impressione è quella di un fondale scenografico allestito dietro i personaggi, che nei movimenti sobri delle loro interazioni e nella minuziosa rappresentazione dei dettagli - favorita dalla limpidezza dello sfondo- rivelano una forte attitudine cinematografica da parte dell'artista. La luminosità del colore, il tono contemplativo delle scene, la cura per il dettaglio -pur nella generale semplificazione formale- sembrano quasi voler richiamare la pittura del Beato Angelico e catturano l'attenzione dello spettatore chiedendogli di completare una narrazione appena accennata, proprio come in un brano di musica leggera.
È difficile parlare di mondo inanimato per gli alberi dipinti da Benjamin Butler, che al di là di un severo equilibrio compositivo di ascendenza protocubista, comunicano un senso di forte vitalismo, attraverso la ricchezza del colore e della pennellata. Butler utilizza morfologie cezanniane semplificando la struttura del soggetto in spigoli taglienti, e riduce al piano i volumi come in una vetrata gotica. Una semplficazione formale che ricorda anche le lunghe sperimentazioni di Piet Mondrian nel passaggio dalla figurazione all'astrazione. Radicato nella terra e proteso con i suoi rami verso il cielo, l'albero è simbolo ancestrale della riconciliazione tra alto e basso. Un soggetto che rappresenta perfettamente e con sobrio misticismo la volontà di riconciliare cultura rurale e cultura urbana e di superare l'impasse postmoderna attraverso una feconda permeabilità tra modernità e tradizione.

Luca Vona

La Galleria Glance presenta: Benjamin Butler, Holly Coulis, Ridley Howard
Fino al 2 giugno 2006
Galleria Glance
Via San Francesco da Paola 48/E
tel: +39 3489249217
info@galleriaglance.com
www.galleriaglance.com

I LOVE ABRUZZO

La nuova arte abruzzese in primo piano
Ex Mercato Ortofrutticolo, Lungomare Sud, Pescara dall'8 al 23 aprile

 I LOVE ABRUZZO, la grande mostra che si terrà al mercato ortofrutticolo di Pescara dall'8 al 23 aprile è il risultato di una scelta che nasce dalla collaborazione coordinata di due giovani curatori e operatori culturali (Arianna Rosica e Massimiliano Scuderi), e una critica emergente (Veronica Valentini). Occhi nuovi e attenti alla contemporaneità, per una visione nuova dell'arte.
I tre curatori, dopo un attento monitoraggio del territorio, delle sue istanze culturali e degli artisti che operano o gravitano nella regione, hanno selezionato 25 artisti giovani e giovanissimi che testimoniano le nuove ricerche e prospettive dell'arte in Abruzzo.
I LOVE IN ABRUZZO è la mostra che intende ribaltare le vecchie concezioni, statiche e polverose (per fortuna ora in estinzione o emarginate), tanto sponsorizzate e declamate dalla vecchia guardia locale e localistica che per decenni ha tenuto in ostaggio gli artisti locali e che aveva contribuito a dare un'immagine statica e obsoleta dell'arte della regione.
Ma questa rassegna dimostra che l'Abruzzo è una regione vitalissima e operante a un livello qualitativo di tutto rispetto: basterebbe la lista delle gallerie e iniziative a testimoniare l'alto
livello di ricerca di un territorio: Cesare Manzo, Rizziero, Vistamare, (e la new entry, Contemporanea, sperando che non deluda), oltre ad iniziative storiche ormai mitiche come Fuori Uso e il Museo Laboratorio di Città S. Angelo: una lista che oscura tante regioni italiane (es. Veneto, Trentino, Marche, Puglia, Sicilia, Sardegna, Umbria, Basilicata, ecc.). Speriamo che questa mostra possa rappresentare la prima di una serie di iniziative sull'arte di oggi, e che le amministrazioni locali possano individuare le forze nuove ed emergenti su cui fare affidamento e a cui affidare la nuova immagine dell'Abruzzo vincente dell'arte. E questa iniziativa vuole rappresentare la speranza di allontanare dall'Abruzzo tutti i dilettanti e mestatori dell'arte di ieri e di oggi, sempre così
prolifici in tutte le province del mondo.

I LOVE ABRUZZO: gli artisti partecipanti:
PRECURSORI: Angelo Colangelo, Alfredo Del Greco, Elio Di Blasio,
Alessandro Jasci, Ettore Spalletti.
CONTEMPORANEI:  Marco Antonecchia, Emanuela Barbi, Angelo Calgani, Sergio
Camplone, Lucilla Candeloro, Damiano Colacito, Ercole Coruzzi, Daniela
Darielli, Enzo De Leonibus, Francesca De Rubeis, Daniela Di Donato, Luca
Di Gregorio, Matteo Fato, Franco Fiorillo, Alessandro Gabini, Licia
Galizia, Angelo Mosca, Mario Moscadello, Paride Petrei, Mariuccia Pisani,
Gino Sabatini Odoardi, Fabrizio Sacchetti, Sergio Sarra, Giuseppe
Stampone, Tu m'.

 
Dove?
Ex Mercato Ortofrutticolo, Lungomare sud, Pescara
dalle 17.00 alle 20.00, escluso il lunedì
organizzazione associazione culturale Arte Nova- Fuoriuso,
via Umbria 44 - 65100 Pescara

C.R.U.S.M.

COMPAGNIA TEATRALE DELLA UNIVERSITà degli studi di milano

Invito

Il Settore Teatro Crusm  in collaborazione con la Cattedra di Storia del Teatro e dello Spettacolo -  Dipartimento di Storia delle Arti Musica e Spettacolo della Università degli Studi di Milano

presenta

La scena della sperimentazione contemporanea

seminario e proiezioni sul videoteatro italiano

a cura di Alfonso Amendola 

(Dipartimento di Scienze della Comunicazione - Università degli Studi di Salerno)

10 e 11 APRILE dalle ore 10.30 alle ore 12.30

via Noto, 6 presso l’ aula K11 | *Ingresso Libero

Per Informazioni:  Settore Teatro Crusm Tel 02 503.12569 -18435 - crusm@unimi.it;

Segreteria -Cattedra Storia del Teatro 02/50313640

L’ iniziativa è promossa e  realizzata con il contributo finanziario dell’Università degli Studi di Milano

PROGRAMMA

Breve saluto di Sergio Longo, responsabile della Compagnia Teatrale  della Università di Milano – Crusm;

Introducono il  prof. Paolo Bosisio e  la prof.ssa Gabriella Cambiaghi della Cattedra di Storia del Teatro e dello Spettacolo;

Il seminario del dott. Alfonso Amendola (docente di Analisi degli Audiovisivi presso il Dipartimento di Scienze della Comunicazione, Università di Salerno) con  proiezioni sul video teatro verterà su:

• Chiarimenti terminologici su “videoteatro”, “teleteatro”, “teatro televisivo” e quanto altro tenda a delineare un’amalgama-differenza tra i circuiti comunicativi audiovisivi e l’esperienza scenica (prioritariamente centrata nell’ambito della sperimentazione).
  
• Analisi e visioni di autori che pur non appartenendo al “videoteatro” hanno vissuto la sensibilità dell’immaginario audiovisivo (Carmelo Bene, Leo De Berardinis, Ricci…)
  
• Riflessioni su alcuni modelli della sperimentazione videoteatrale anni Ottanta (Falso Movimento, Barberio Corsetti…)
  
• Gli anni Novanta e le esperienze generazionali di Motus, Kinkaleri, Teatrinoclandestino…
  
• La contemporaneità nei gruppi nuovi (mald’è, Max Coppeta)

"Voci che nessuno ascolta"

Richard Long a Villa Menafoglio Litta Panza a Varese

inaugurazione 13 aprile 2006 | ore 11.30 | villa menafoglio litta panza | varese


Il FAI - Fondo per l'Ambiente Italiano e l'Hangar Bicocca - Spazio per l'Arte Contemporanea di Milano promuovono la mostra Really really simple, Richard Long: un'esposizione di opere monumentali dell'artista inglese, uno dei maggiori esponenti viventi della Land Art, movimento nato in America intorno alla seconda metà degli anni '60, che contraddistingue gli artisti che realizzano opere d'arte attraverso interventi sul paesaggio naturale.
Dal 1 aprile al 25 giugno saranno esposte a Villa Panza (Va), la settecentesca villa di proprietà del FAI, sei opere appartenenti alla collezione privata di Giuseppe Panza di Biumo, mai presentate prima pubblicamente in Italia. Contemporaneamente, dal 1 aprile al 14 maggio, l'Hangar Bicocca presenterà altre opere dello stesso artista a completamento del percorso.
Tra Varese e Milano verrà così istituito un percorso culturale tra le opere di Richard Long: due contesti differenti e altrettanto significativi all'interno dei quali si potrà entrare in contatto, in modo diverso, con l'artista inglese.
Le opere di Richard Long constano di centinaia e centinaia di pietre, ciottoli e piccoli rami, che sono stati disposti casualmente all'interno di rigidi e precisissimi confini dimensionali: come il Wood Line (1978), una lunga striscia di 14 metri e 30 x 2 metri esatti, ad esempio, o il Valle Pellice Stone Circe (1989), un cerchio del diametro di 500 cm.. seguendo le indicazioni dell'artista, meticolosamente descritte e schematizzate in disegni autografi.
Per la mostra a Villa Panza sono stai scelti sei importanti pezzi che rappresentano la più fedele testimonianza dell'operato e della poetica di Long. Si tratta di lavori su larga scala, realizzati con i materiali naturali cari all'artista, quali la pietra e il legno, destinati ad ambienti chiusi così come all'aria aperta e mai presentati prima d'ora al pubblico italiano.
Grazie a un meditato percorso espositivo, ideato direttamente dall'artista, le opere si confronteranno ora con gli spazi verdi di Villa Panza, ora con le architetture secolari, dalle raffinate decorazioni neoclassiche del Salone Impero alla purezza degli spazi e dei volumi dell'ottocentesca Scuderia.
A Milano sarà l'Hangar Bicocca, alla quarta mostra dedicata a un artista di respiro internazionale dopo quelle di Anselm Kiefer, Mark Wallinger e Marina Abramovic in corso sino al 14 maggio, a costruire un inedito e serrato dialogo con le opere di Long. Le opere in mostra all'Hangar provengono dalla collezione del PAC di Milano e da alcune importanti collezioni private italiane.
Il percorso all'Hangar Bicocca partirà dall'opera Madrid Circle del 1986, un anello di 11,60 metri di diametro composto da pietre, proveniente dalla collezione Panza di Biumo.
Il movimento della Land Art, di cui Richard Long è uno dei massimi esponenti, raduna quegli artisti che realizzano interventi direttamente su paesaggio e natura senza con ciò creare delle alterazioni permanenti, e che trasversalmente toccano anche l'arte concettuale, il minimalismo, la body art e l'arte povera. Una delle significative innovazioni di questa corrente artistica consiste nell'aver liberato l'arte dalle convenzioni culturali che l'avevano costretta entro le misure rigide e obbligate del quadro e costretta in contesti chiusi quali gallerie e musei. Trattandosi di interventi sulla natura, queste opere hanno spesso un carattere effimero e sono destinate a ritornare a far parte di quel paesaggio da cui sono nate.
I "movimenti" compiuti da Long nel paesaggio e le opere che ne risultano esprimono l'equilibrio tra il naturale e il geometrico, tra il reale e l'astratto, tra il documento e il mito e infine tra il concettuale e il romantico. L'opera quindi, sufficiente a se stessa, anche decontestualizzata, offre un'esperienza completa di paesaggio, natura, spazio tramite il sapiente gioco dei volumi, delle proporzioni interne, dei materiali utilizzati, della luce.
Dopo le mostre dedicate a Dan Flavin (2004) e a Lawrence Carroll (2005), il FAI prosegue a Villa Panza la ricognizione di grandi artisti contemporanei che Giuseppe Panza di Biumo, uno dei maggiori esperti internazionali, ha raccolto nella sua lunga "carriera" di collezionista e mecenate. Come è avvenuto con moltissimi altri artisti stranieri, Giuseppe Panza è uno dei primi collezionisti europei ad apprezzare l'arte di Long, acquistando numerose opere dell'artista inglese e non lasciandosi scoraggiare né dalle impegnative dimensioni dei lavori né dalla difficoltà espositiva.
La mostra offre quindi un doppio livello di lettura: da un lato il piacere di lasciarsi coinvolgere dall'emozione di queste opere monumentali, dall'altro la messa a fuoco di un artista fondamentale per la storia dell'arte della seconda metà del XX secolo.
La mostra è stata realizzata grazie al contributo di Pirelli RE, Nescafè e della Provincia di Varese.

Richard Long - Really, really simple
Dal 13 aprile al 25 giugno 2006
orario: 10 -18 (tutti i giorni escluso i lunedì non festivi). Ultimo ingresso ore 17.30
VILLA MENAFOGLIO LITTA PANZA
Piazza Litta 1 (21100)
+39 0332239669 (info), +39 0332239669 (fax)
+39 0332283960 (tel)
faibiumo@fondoambiente.it
www.fondoambiente.it/luoghi/Biumo/

Le gallerie di Milano all'Hangar Bicocca

fino al 14 maggio 2006 | hangar bicocca | milano


Start - Milano, l'Associazione delle gallerie milanesi sorta nel 2005, e Hangar Bicocca presentano al pubblico milanese un progetto comune.
In occasione di MiArt, l'annuale fiera dell'arte anticipata al mese di marzo, Start - Milano presenta negli spazi della Bicocca una mostra in cui le più importanti gallerie d'arte della città propongono un artista rappresentativo della loro attività, scelto tra coloro con cui hanno più assiduamente lavorato negli anni.
Nomi e opere sono stati selezionati da un curatore Giorgio Verzotti, che ha così soggettivamente individuato la peculiarità della proposta culturale che ogni galleria ha offerto al suo pubblico, e alla città di Milano. Milano trova nei privati - le gallerie d'arte e nuovi importanti spazi come l'Hangar Bicocca, così come i collezionisti o le fondazioni - una propria forza propulsiva e la possibilità di rimanere parte attiva e dinamica nel dibattito artistico contemporaneo.
I ventiquattro artisti selezionati rappresentano, sia pure necessariamente in estrema sintesi, nella loro diversità generazionale e di poetica, quanto di meglio Milano ha proposto per tener fede alla propria identità di centro di cultura di alto livello. La mostra rappresenta dunque una sorta di racconto delle vicende dell'arte contemporanea, snodandosi dagli anni Sessanta ad oggi.
Il percorso comincia dunque idealmente con Vincenzo Agnetti e ci riporta alla Milano fervida e vivacissima di quel periodo, quando Fontana era guardato come il riferimento più prossimo e in città nasceva il gruppo Azimut. Si prosegue poi con le opere mature di alcuni protagonisti assoluti delle tendenze successive, come Joseph Kosuth, di cui è esposta Scritta al neon, Alighiero Boetti, con un coloratissimo kilim intitolato Alternando da uno a cento e viceversa e Aldo Mondino con Arabic, un divertente lampadario composto di filo di ferro e penne Bic e The Byzantine World, una installazione a parete.
La mostra passa poi in rassegna i movimenti e gli artisti emersi più recentemente, cominciando dagli anni Ottanta con un'opera di Enzo Cucchi - Senza titolo (Le due Italie) e tre lavori di Karl Horst Hödicke anni pervasi dal clamoroso successo arriso in quel decennio alle nuove tendenze figurative. Si arriva così agli anni Novanta, con l'apertura all'arte internazionale e il succedersi di personalità come Günter Forg, con un notevole lavoro pittorico, John Armleder, con una spettacolare installazione, Fischli & Weiss, con il video Der Lauf der Dinge (Il corso delle cose) o Roni Horn, con due belle installazioni. E ancora la pittura con lavori di Andrea Salvino e Sean Shanahan, la fotografia rappresentata da Silvio Wolf, Huang Yan e Walter Niedermayr, i video di Candice Breitz e dei Masbedo, le sculture e le installazioni di Monica Bonvicini, Giuseppe Gabellone, Massimo De Caria, Laura Matei, Francesco Gennari, Michel Verjux e John Bock.
Insomma un percorso ricco e intenso, che, attraverso opere di grande impatto, fa rivivere l'arte contemporanea dell'ultimo mezzo secolo, testimoniando la febbrile attività, di ricerca, scoperta e spesso valorizzazione del singolo artista, intrapresa dalle migliori gallerie milanesi.

Artisti e gallerie:
Vincenzo Agnetti: Galleria Milano
John Armleder: Galleria Massimo De Carlo
John Bock: Galleria Giò Marconi
Alighiero Boetti: Zonca & Zonca Arte contemporanea
Monica Bonvicini: Galleria Emi Fontana
Candice Breitz: Galleria francesca kaufmann
Enzo Cucchi: Paolo Curti / Annamaria Gambuzzi & CO
Fischli & Weiss: Le Case d'Arte
Massimo De Caria: Nowhere Gallery
Günter Förg: Galleria Salvatore + Caroline Ala
Giuseppe Gabellone: Studio Guenzani
Francesco Gennari: ZERO Arte Contemporanea
Roni Horn: Galleria Raffaella Cortese
Karl Horst Hödicke: Studio d'Arte Cannaviello
Joseph Kosuth: Lia Rumma
Masbedo: Galleria PACK
Laura Matei: Studio Giangaleazzo Visconti
Aldo Mondino: Galleria 1000eventi
Walter Niedermayr: Galleria Suzy Shammah
Andrea Salvino: Antonio Colombo Arte Contemporanea
Sean Shanahan: Galleria Rubin
Michel Verjux: A arte Studio Invernizzi
Silvio Wolf: Fotografia Italiana arte contemporanea
Huang Yan: Marella Gallery Milano/Beijing

start@hangar | arte a milano
Fino al 14 maggio 2006
Orario: tutti i giorni dalle 11.00 alle 19.00, giovedì dalle 14.30 alle 22.00, lunedì chiuso
Ingresso: intero 8 euro, ridotto 6 euro
Informazioni in mostra: tel. 335 7978214
Hangar Bicocca
Viale Sarca 336, Milano
Autobus 727-724, tram 11, MM 1 fermata Sesto Marelli
Ufficio Stampa Hangar Bicocca:
Mara Vitali Comunicazione - Lucia Crespi
tel. 02 73950962
arte@mavico.it

Franco Dellerba         Opening: 27 Aprile 2006   Dates: 27 Aprile - 20 Maggio, 2006   Location: Galleria Bonomo - Bari

Giovedì 27 Aprile 2006  alle ore 18 Franco Dellerba sarà alla Galleria Bonomo con una raccolta di opere recenti. E’ difficile definire questa mostra che non sarà contenuta entro limiti precisi sia perché i lavori sono eseguiti con differenti materiali sia perché ogni opera racconta una sua propria storia che viene da lontano, da una cultura variegata e approfondita quanto estrosa che Dellerba ha accumulato negli anni seguendo il suo istinto da segugio - Dellerba da esperto favoliere riesce a raccontare le sue storie coinvolgendo l’ascoltatore a livello visivo, emotivo e sensoriale. Per questa enciclopedia egli attinge alle storie naturali, animali e minerali. Dellerba usa legno scolpito dalle sue mani, terrecotte, ferro, carte, pigmenti e soprattutto colori, molti colori squillanti che corrispondono alla sua esuberante vitalità. Risulta così che è proprio il colore il filo conduttore fra i suoi lavori. Il colore come definizione delle forme, come elemento positivo e reattivo al grigiore che si infila subdolamente nella psiche umana. Le installazioni ovvero le storie che ci racconta sono tre. “Pinguino in analisi” disteso su un lettino con lo sguardo di chi cerca di risvegliare lontane memorie. “Scimpanzé in gabbia” esemplare molto umano che accetta la sua cattività adornandola di fantasia. “Le cellule chimere”  (le chimere sono ripetutamente presenti nel suo lavoro) quasi gigantografie di vetrini scientifici che marcano il segreto di una vita impossibile quanto probabile.   Galleria Bonomo - Ass. Cult. Via Nicolò dell’Arca, 19 - 70122 - Bari Tel 080 5210145 / Fax 0805217508 e-mail: galleria.bonomo@tin.it Apertura: da lunedì a venerdì 11-13 17-20, sabato 11-13

Nam June Paik Special Memorial Event         Dates: April 26, 2006 (6:30-8:00 p.m.)   Location: Solomon R. Guggenheim Museum 5th Ave at 89th St - New York, NY   For more information please call: 212-423-3500   www.guggenheim.org | www.paikstudios.com

A special memorial event celebrating the life and work of legendary artist Nam June Paik (1932-2006) will be held at the Guggenheim Museum.   Speakers will include Yoko Ono, Jonas Mekas, Russell Connor, Shuya Abe, and Wulf Herzogenrath, in a program organized by John G. Hanhardt, Senior Curator of Film and Media Arts, Guggenheim Museum, with Ken Paik Hakuta, Manager of the Nam June Paik Studios. The event is free and open to the public.

Giovani artisti alla Giudecca ed a Palazzetto Tito a Venezia

inaugurazione venerdì 28 aprile | ore 18.00 | palazzetto tito | inaugurazione venerdì 28 aprile | ore 20.30 | giudecca | venezia


C´era bisogno di creare un archivio per catalogare i lavori e i percorsi degli artisti che in tutti questi anni hanno partecipato alle mostre collettive e alle manifestazioni promosse dalla Fondazione Bevilacqua La Masa. Un luogo di facile consultazione per critici, curatori e galleristi alla ricerca di nuovi nomi e forme di espressione artistiche che si stanno sviluppando nel nostro territorio.
Nel 2003 la BLM ha aperto ufficialmente un archivio dedicato a chi lavora o studia a Venezia o semplicemente a chi cerca uno spazio in cui poter essere protagonista. Nell´arco di tre anni l´archivio dei giovani artisti della BLM ha raccolto oltre 600 iscrizioni ed altrettanti portfoli, collaborando con gli spazi milanesi di Viafarini e Care Of.
Ora, dopo tre anni di vita, per la BLM è arrivato il momento di dar vita all´archivio con una mostra collettiva dedicata ai suoi artisti: Tende a Infinito. Giovani artisti e un concetto matematico.
I curatori interni della Fondazione Bevilacqua La Masa, Stefano Coletto e Marco Ferraris, hanno stilato una rosa di più di trenta artisti veneziani, italiani e stranieri. La mostra si svolgerà sia presso gli spazi della Giudecca, dove si trovano gli atelier che attualmente sono stati assegnati a otto giovani, sia nelle sale di Palazzetto Tito, prestigiosa sede espositiva della Fondazione.
L'obiettivo della mostra è di indagare l´idea di opera d´arte ispirandosi ad alcuni principi appartenenti al campo della matematica, ovvero le nozioni di "tendere a infinito", di "intorno" e di "limite". Le opere esposte saranno lavori inediti, frutto di una riflessione e di un confronto individuali rispetto a termini che fungono da dispositivo concettuale. Le opere e gli interventi previsti in mostra si presentano come un insieme continuo di variazioni e di relazioni, potenzialmente infinite, costruite intorno ad un limite. Nel progetto sono coinvolte diverse forme espressive: fotografia, pittura, video, installazioni, performance.
Gli artisti in mostra: Alessandro Ambrosini, Giorgio Andreotta Calò, Mauro Arrighi, Michele Bazzana, Matteo Bergamelli, Vill Biola , Alvise Bittente, Boraxx, Ana Maria Bresciani, Marco Buziol, Raffaella Crispino, Martina Dinato, ELEC (Simone Lalli e Tibor Fabian) Intorno, Brunno Jahara, Koike Kensuke, Alessandro Laita, Michele Lamanna, Federico Maddalozzo, Timea Oravecz, Federica Palmarin, Sara Piovesan, Progettozero+, Antonio Scarponi, Alberto Tadiello, Nicola Toffolini, Nikola Uzunovski, Alessia Vettorello, Jinny MJ Yu, Sebastiano Zanetti, Davide Zucco

Durante l'inaugurazione si svolgeranno inoltre i seguenti eventi:

Palazzetto Tito, Dorsoduro 2826
Ore 18.00
"37.36" di Raffaella Crispino
Dalle ore 18.00 alle ore 19.20 distribuzione gratuita biglietti lotteria
Ore 19.30 estrazione biglietto vincente
si invita la partecipazione attiva del pubblico

Complesso di SS Cosma e Damiano, Giudecca 620
Ore 20.30
Performance sonora sull'installazione di Davide Zucco, a cura di Emanuele Kabu Bortoluzzi
Ore 21.00
Performance audio/video di Mauro Arrighi e Marco Buziol "Softly engaged"
Ore 21.30
Performance audio/video di Vill Biola vs Boraxx "This Hell"
Ore 22.00
Djset Damis

Tende a infinito Giovani artisti e un concetto matematico
Inaugurazioni: 28 aprile 2006, ore 18.30 Palazzetto Tito; ore 20.30 atelier SS Cosma e Damiano
Dal 29 aprile al 29 maggio 2006
Palazzetto Tito, Dorsoduro 2826
Complesso SS Cosma e Damiano, 620 Giudecca
Ingresso: tutti i giorni 12.00 -18.00, chiuso il martedì
Informazioni: Ufficio Stampa Fondazione Bevilacqua La Masa, Giorgia Gallina, Francesca Volpato
press@bevilacqualamasa.it
tel 0039.041.5207797
Dorsdouro 2826, 30123 Venezia

Collettiva Elettrica allo studio GiaMaArt a Vitulano

inaugurazione del capitolo I: sabato 29 aprile 2006 | ore 18,30 | a cura di lorenzo canova | studio giamaart | vitulano (bn)


La galleria GiaMaArt studio nasce a Vitulano, nei pressi di Benevento, come spazio espositivo, ma anche come centro progettuale e di promozione, dedicato prevalentemente alla giovane pittura d'immagine in dialogo con tutte le più avanzate tendenze e forme espressive della contemporaneità.
Lo spazio ha l'ambizione di diventare una sorta di piccola Kunsthalle nel cuore del Sannio ed è diretto da Gianfranco Matarazzo, che ha al suo attivo l'organizzazione di una serie di importanti eventi espositivi pubblici di arte contemporanea.
Il progetto, curato in collaborazione con Lorenzo Canova, vuole così presentare un ciclo di mostre diviso in due capitoli dove saranno esposti alcuni tra i più interessanti artisti delle ultime generazioni, in un panorama composito che raccoglie spunti e soluzioni differenti sotto il segno della qualità.
Si intende così verificare come la pittura possa essere ancora uno dei linguaggi più adatti a scrutare e ad indagare in profondità dietro le apparenze rapidissime che affollano il "rumore bianco" degli eventi simultanei dell'attualità. La pittura rappresenta, insomma, proprio per la sua maggiore lentezza esecutiva e concettuale, un fondamentale "metodo" di intuizione e di significazione della realtà e delle nostre inquietudini, di interpretazione dei problemi della comunicazione, e può essere ancora uno degli strumenti centrali per un'arte che vuole tentare di dare una forma al mondo e alla sua complessità. Si vuole dimostrare dunque che la pittura possa non soltanto dialogare, scambiare informazioni e spunti creativi con le nuove tecnologie, ma che possa anche costituire il sostrato tecnico e concettuale di un nuovo modo di concepire il video e l'animazione d'artista.
Il progetto presenterà dunque due mostre in cui le opere pittoriche si confronteranno sempre con un'opera di animazione realizzata da un artista attivo anche nel campo della pittura e della scultura: nel primo capitolo, infatti, i dipinti di Alessandro Bazan, Marco Colazzo, Fulvio di Piazza, Stefania Fabrizi saranno esposti insieme ad un video di Luca Matti, mentre nel secondo capitolo i quadri di Angelo Bellobono, Mauro di Silvestre, Adriano Nardi, Igor Verrilli si confronteranno con un'animazione digitale di Silvano Tessarollo.
Del resto, oggi la stessa pittura, pur mantenendo vivi i suoi legami millenari e i suoi riferimenti storici, non può fare a meno di avere uno sguardo "elettronico" legato alle comunicazioni di massa, agli schermi televisivi, ai monitor dei computer e alle proiezioni video e cinematografiche contemporanee. Inoltre, seguendo l'intuizione di Marcel Duchamp, che vedeva la pittura moderna come un vero e proprio ready made "voluto" perché i suoi colori sono realizzati in modo seriale nelle fabbriche e non più con la sapienza artigianale della bottega, si potrebbe paradossalmente ipotizzare che anche la pittura sia divenuta, almeno in parte, un'arte "elettronica", non solo per un "occhio" spesso mediatico, che in molti casi permette una progettazione del quadro al computer, ma anche per il suo corpo fisico nato attraverso gli strumenti digitali della realizzazione industriale sorretta da tecnologie informatiche di precisione. D'altronde, possiamo notare come il video di animazione sia costruito a sua volta attraverso una serrata elaborazione"pittorica" dove ogni fotogramma è "dipinto" o meglio composto da un più o meno complesso disegno preparatorio: il colore della pittura che scorre per fissarsi sul supporto diviene così il colore che scorre nei fotogrammi trasmessi dal monitor. Il corpo fluido dell'immagine in movimento ritrova dunque la sua anima "antica" nell'elemento del disegno, quello che da Michelangelo a Vasari, da Federico Zuccari fino al classicismo, e, in qualche modo, ad una certa arte concettuale, è sempre stato ritenuto l'elemento mentale e "divino" che sostiene l'edificio della stesura e della significazione dell'opera finale, fissata sulla tela o sul supporto elettronico. Alcuni lavori su carta degli artisti presentati accompagneranno così, come in una sorta di racconto parallelo, il percorso della mostra: sarà allora proprio il disegno l'elemento di congiunzione che legherà le diverse opere e le differenti forme espressive, il territorio di confine dove il progetto e le tecniche si separano, si uniscono e si scontrano in quel costante sviluppo dialettico che segna con forza le dinamiche, le aperture teoriche ed esecutive dell'arte contemporanea.

PITTURA ELETTRICA capitolo I
Alessandro Bazan - Marco Colazzo - Fulvio di Piazza - Stefania Fabrizi - Luca Matti
Dal 29 aprile al 23 settembre 2006
Orari: dal martedì al sabato ore 17.00 - 20.00 (possono variare, verificare sempre via telefono) e per appuntamento
catalogo edizioni GiaMaArt studio, con testi di Maria Cristina Bastante e Lorenzo Canova
direzione Gianfranco Matarazzo
GiaMaArt Studio
Via Iadonisi, 14 - 82038 Vitulano (BN)
Tel. 0824.878665 - Cell. 338.9565828
www.giamaartstudio.it
info@giamaartstudio.it

Andrea Di Marco alla Galleria Maniero a Roma

inaugurazione giovedì 27 aprile 2006 | ore 18 | galleria maniero | roma


Si inaugura il 27 aprile 2006, la mostra personale "Globo news", di Andrea Di Marco, artista palermitano, con già all'attivo diverse personali e collettive, alla sua prima personale a Roma, dove espone sette oli su tela recenti e una ventina di opere su carta.
Andrea Di Marco è un artista siciliano con una grande vocazione cosmopolita. Egli provocatoriamente legge la realtà con gli occhi disincantati del viaggiatore incallito che cerca e ferma sulla tela solo emozioni e porzioni di verità. In lui è forte la lezione della grande pittura, corposa e postmoderna, coerente con il linguaggio e provocatoria perché riesca ad esaltare ciò che agli occhi comuni risulta inesaltabile: porzioni di realtà metropolitane insignificanti, a volte cronache di degrado ma non solo, spesso ritrae oggetti di uso comune esaltandone la purezza oggettiva.

"è dalla sedia di Van Gogh, a voler essere esatti, che la pittura e la meraviglia fanno a meno del soggetto di gran classe e si accontentano di questi quasi-nulla qua, e insomma Andrea li fotografa accordando loro tutta la sua attenzione e poi li proietta e poi li dipinge, li copre con la pittura, li tramortisce e, se ci pensi, li soffoca e ammazza "a olio", mamma mia sto dicendo proprio che Andrea usa la pittura per uccidere fotografie estraendo da tutta questa mattanza una bellezza vivida di materie spesse e di luci bianche e di contorni neri ( "mi piacciono molto le ombre" ) e di mortaretti rossi, blu, verdi..."(dallo scritto di Marco Di Capua)

In questa mostra, tra le ultimissime opere, Andrea Di Marco propone rappresentazioni di "crashpoint", visioni di una realtà scomoda che, tuttavia, s'inseriscono nel paesaggio contemporaneo quale testimonianza del quotidiano.
"Curvasud" e "curvanord" sono due opere di autentica pittura che guardano con realismo metafisico le cose che normalmente vivono al di fuori di ogni ipotesi di bellezza. Andrea Di Marco, nel panorama della giovane pittura italiana, si pone concettualmente identificato, al di là dell' apparente pretestuosa figurazione che caratterizza il suo quotidiano lavoro d¹artista.

Andrea Di Marco vive e lavora a Palermo
Recenti mostre personali: 2005: "Fatti Fuori" ,Complesso Monumentale di Villa Caldogno Caldogno, Vicenza - 2003: " Acquemerci" , AndreA arte contemporanea, Vicenza - "Trasporti e affini" Galleria Sergio Tossi, Firenze. Recenti mostre collettive: 2006:"O eres tù John Wayne o lo soy yo", la Sala Naranja, Valencia. 2005 "Ovalitudine" ,Le Ciminiere ,Catania - "Beauty not so difficult", Fondazione Stelline, Milano - "Facce da es", galleria "ES",Torino. 2004 "Senza freni" galleria Antonio Colombo, Milano - XXXVII Premio Vasto, "Metamorfosi-Le ambiguita` della visione", Musei Civici di Palazzo D'Avalos, Vasto.

Andrea Di Marco. Globo News
Fino al 27 maggio 2006
Orario: da martedì a sabato dalle 16 alle 20 e su appuntamento
Catalogo in galleria con testo di Marco Di Capua
Galleria Maniero
via dell'Arancio 79, 00186 Roma
tel./fax 06 68807116
galleriamaniero@fastwebnet.it
www.galleriamaniero.it

galleria contemporastudio
via dello sprone, 10-12 r
50100 firenze
tel e fax 055 289588
email: contemporastudio@libero.it

orario galleria:
lunedi dalle ore 15 alle 19
mart - merc - giov - ven- sab dalle 11 alle 14
e dalle 15 alle 19
domenica per appuntamento
(335 7721156)valentina marroni
(348 7498716)pascal maudet

Grègory Morizeau alla Galleria Capitani a Milano

inaugurazione 3 maggio | dalle ore 17 | galleria d'arte capitani | milano


La Galleria Capitani di Milano presenta un'importante personale dell'artista francese Grègory Morizeau. La mostra è composta da un nucleo di 20 sculture in ferro, l'elemento plastico privilegiato da Morizeau, il cui lavoro è il risultato di una ricerca contemplativa realizzata attraverso il recupero di vecchi manufatti che, integrati dal suo lavoro creativo e manuale, acquistano nuova vita, nuova identità. Nascono così opere suggestive e peculiari come: Equilibre; Ni le sol, ni la mort sont forts que le dèsir ; Poisson rouge ; L'homme sans idèe; Personnage assis en cage. Una poetica d'artista improntata, dunque, alla scoperta dell'uomo e del suo universo attraverso la materia e ad una nuova dimensione della materia stessa, da cui sembrano, davvero, fluire come pensieri le opere realizzate da Morizeau.

Grègory Morizeau nasce a Mans nel 1970. Vive e lavora ad Antibes nel suo atelier situato nella città vecchia vicino al museo Picasso ed al marchè provençale, qui l'artista espone le sue opere in un ambiente cosmopolita, pieno di storia, arte, vita.
Il primo successo dell'opera di Morizeau è riferibile al grande apprezzamento dello stilista italiano Gianfranco Ferrè, il quale, entusiasta del lavoro del giovane artista francese, ne presenta le opere nei propri show-room in Francia, a Parigi e Cannes, nel Principato di Monaco, a Milano. L'artista, a seguito di queste importanti presentazioni delle sue sculture, ottiene un ottimo successo di pubblico e di critica. Il desiderio di Morizeau di confrontarsi con un mondo artistico più ampio e stimolante lo ha portato, di recente, a trasferire il suo atelier a Parigi.

Principali esposizioni: giugno - settembre 2005 - Hotel de Paris, Monaco; ottobre 2004 - esposizione personale show room Gianfranco Ferrè, Parigi; maggio 2004 - esposizione personale show room Gianfranco Ferrè, Cannes; dicembre 2003 - esposizione personale show room Gianfranco Ferrè, Milano; Ottobre 2003 - Theatre de la Licorne Cannes; Ago - sett 2003 - XVIII biennale de la Mediterraneene a Nice. Esposizioni permanenti: Gianfranco Ferrè Milano; Fondazion du Negresco Nizza.
Elenco delle opere in mostra: Equilibre; Ecorchè; Equilibre II; Divine; Personnage assis; Personnage debout; Ni le sol,ni la mort sont forts que le dèsir ; Redemption ; L'oisseau ; Poisson rouge ; Le curieux ; L'oisseau roi ; L'homme et l'oisseau ; L'homme sans idèe ; Personnage qui court ; Personnage assis en cage ; Personnage debout avec porte ; Contemplation ; l'oisseau jaune ; Personnage qui marche.

Grègory Morizeau. L'homme de ferre
Dal 3 al 20 maggio 2006
Orario: lun - sab dalle 10 alle 19 orario continuato
ingresso libero - chiuso domenica
Galleria d'arte Capitani
Via Manzoni, 45 (seconda corte)- Milano
tel. 02.6552986 - fax 02.6554052
Ufficio Stampa: Rosi Fontana
tel 050 9711343
info@rosifontana.it
www.rosifontana.it

Edgard Varese Special Memorial Event     Dates: April 28 - August 27, 2006   Location: Museum Jean Tinguely, Paul Sacher-Anlage 1 - Basel   Phone: +41 061 6819321

Edgard Varese Composer, Sound sculptor, visionary   The first comprehensive glance at the legacy of this path-breaking twentieth-century composer   Curatorship: Felix Meyer, Heidy Zimmermann, Heinz Stahlhut   For years Edgar Varese was considered an isolated maverick on the contemporary music scene. He did achieve final recognition as such leading postwar avant-garde figures as Pierre Boulez and John Cage discovered his music and drew on his achievements. By the time of his death, on November 6, 1965, he was regaled with honors and awards. He left behind a small but impressive body of works that has challenged artists and scholars time and again in the forty years since his death to come to grips with his art. The Paul Sacher Foundation - an international center for documentation and research on contemporary music - was able to acquire Varese‘s archives. This joint exhibition, mounted with the Museum Tinguely, which adds to these exceptional documents paintings, drawings, and musical instruments on loan from international collections, offers to the public the first comprehensive glance at the legacy of this path-breaking twentieth-century composer.   A revolutionary creator of new sounds Edgard Vare'se was born in Paris on December 22, 1883. The son of an engineer, he developed a close affinity to the natural sciences from early childhood. Instead of taking up a technical profession, however, he soon turned entirely to music, first in Paris and Berlin, and then in the United States where he emigrated in 1915. A natural crossover figure, he drew inspiration from talking to leading physicists and acoustical engineers and befriending such artists and writers as Antonin Artaud, Alexander Calder, Marcel Duchamp, Le Corbusier, Henry Miller, Joan Miro', Francis Picabia, Man Ray, and Joseph Stella. Again and again he made ever-new attempts to probe the musical potential of scientific concepts and the visual and spatial perception of modern art. I need an entirely new medium of expression: a sound-producing machine, not a sound-reproducing one. Vare'se's primary concern was not the reproduction of music. He saw himself as a revolutionary creator of new sounds, preferred the term "organized sound" to "music," and far transcended the bounds of conventional orchestral instruments in his quest for new timbres. He was particularly interested in the use of machines to generate music. He was already probing the possibilities of electronic sound production in the late Twenties.

	Edgard Varese Special Memorial Event     Dates: April 28 - August 27, 2006   Location: Museum Jean Tinguely, Paul Sacher-Anlage 1 - Basel   Phone: +41 061 6819321
Edgard Varese Composer, Sound sculptor, visionary   The first comprehensive glance at the legacy of this path-breaking twentieth-century composer   Curatorship: Felix Meyer, Heidy Zimmermann, Heinz Stahlhut   For years Edgar Varese was considered an isolated maverick on the contemporary music scene. He did achieve final recognition as such leading postwar avant-garde figures as Pierre Boulez and John Cage discovered his music and drew on his achievements. By the time of his death, on November 6, 1965, he was regaled with honors and awards. He left behind a small but impressive body of works that has challenged artists and scholars time and again in the forty years since his death to come to grips with his art. The Paul Sacher Foundation - an international center for documentation and research on contemporary music - was able to acquire Varese‘s archives. This joint exhibition, mounted with the Museum Tinguely, which adds to these exceptional documents paintings, drawings, and musical instruments on loan from international collections, offers to the public the first comprehensive glance at the legacy of this path-breaking twentieth-century composer.   A revolutionary creator of new sounds Edgard Vare'se was born in Paris on December 22, 1883. The son of an engineer, he developed a close affinity to the natural sciences from early childhood. Instead of taking up a technical profession, however, he soon turned entirely to music, first in Paris and Berlin, and then in the United States where he emigrated in 1915. A natural crossover figure, he drew inspiration from talking to leading physicists and acoustical engineers and befriending such artists and writers as Antonin Artaud, Alexander Calder, Marcel Duchamp, Le Corbusier, Henry Miller, Joan Miro', Francis Picabia, Man Ray, and Joseph Stella. Again and again he made ever-new attempts to probe the musical potential of scientific concepts and the visual and spatial perception of modern art. I need an entirely new medium of expression: a sound-producing machine, not a sound-reproducing one. Vare'se's primary concern was not the reproduction of music. He saw himself as a revolutionary creator of new sounds, preferred the term "organized sound" to "music," and far transcended the bounds of conventional orchestral instruments in his quest for new timbres. He was particularly interested in the use of machines to generate music. He was already probing the possibilities of electronic sound production in the late Twenties.   Varese's life and music The exhibition is divided into eight sections: "Imprintings - Points of Orientation", "Conductor and Initiator in New York", "Probing Uncharted Compositional Territory ", "A Pan-American in Paris", "Approaching Electronics", "Against the Currents of the Day", "Contacts with the Post-War Avantgarde", and "Posthumous Impact and Reception". These sections cover, in roughly chronological order, the important way-stations in Vare'se's life and music, as well as his artistic roots and subsequent impact. The main focus falls on his musical manuscripts, textual manuscripts, correspondence, and other documents from his estate. They are accompanied by many items on loan from international museums and private collections, including paintings, drawings, sculpture, and musical instruments, to illustrate his contacts with visual artists and his interest in new forms of sound production. In "Approaching Electronics", Varese's Poeme e'lectronique is presented alongside a reconstruction of the series of pictures conceived by Le Corbusier. Augmenting the items on display are twelve "listening stations" with samples of Varese's music spread throughout the exhibition, as well as several monitors with films on Varese and his artistic milieu. At the same time as the Vare'se exhibition, the museum will display selected sound reliefs and noise machines by the ingenious "meta-mechanician" Jean Tinguely. Also on display will be the sound installation instant city (2003-6), conceived by Sybille Hauert and Daniel Reichmuth in collaboration with Volker Bohm. Around the exhibition Alongside the exhibition, a program of concerts includes Vare'se's well-known octet Octandre (1923) as well as epoch-making Ionisation for thirteen percussionists (1931) and De'serts (1949-54), Varese's last large-scale work, one of the earliest compositions to make use of taped sounds combined with sounds from conventional instruments The film Deserts, by the video artist Bill Viola, will be screened along with Vare'se's composition. Another special occasion is the exhibition's closing event, when the Theremin virtuoso Lydia Kavina will demonstrate her unusual electronic instrument and perform Vare'se's Density 21.5 for unaccompanied flute.   Image: Roy Hyrkin (b. 1927) Vare'se listening to tape recordings (October 1959), Photograph Paul Sacher Foundation Basel (Edgard Vare'se collection) Photo: Roy Hyrkin   PUBLICATION Exhibition catalogue in English, with detailed descriptions of the exhibition’s pieces, 32 musicologicals essays, and testimonies by important contemporary composers, 508 pages, 250 mainly colour illustrations. Boydell & Brewer, Melton, Suffolk. Price: CHF 59 - / £ 25. (Bookshops price £ 29)   PRESS CONTACT Laurentia Leon Tel. + 41 (0) 61 687 46 08 Fax + 41 (0) 61 681 93 21 Email: laurentia.leon@roche.com   MUSE'E TINGUELY Paul-Sacher-Anlage 1 CH-4058 BALE HOURS: Tuesday to Sunday: 11am - 7pm. Closed Monday. ADMISSION FEES: Adults: CHF 10 Students, trainees, seniors: CHF 7 Free under 16.

mda		2006
mdaevent ti invita all’Opening dello speciale evento della rassegna Week-Art 2006 abbinata al concorso Vota Artista 2006
ECCITANTI VIBRAZIONI Collettiva Artisti contemporanei Susanna Anna Redaelli Daniela Cassettari ArtCocktail - VideoArtPerformance - CriticalInterview
Calendario		Archivio
	Location: Via Comune antico 62 - Milano Opening: domenica 7 Maggio ore 11.00 Ingresso: libero Come arrivare: vai
L'evento, che prevede presentazione Artisti, VideoArtPerformance, interventi critici d'arte mda e un simpatico momento d'incontri Cocktail-Vernissage, proseguirà con la presentazione del concorso Vota Artista abbinato alla rassegna Week-Art2006, e per finire Pranzo dell'Artista.

L'ultima pubblicazione di Postmedia Books

Il ritorno del reale | hal foster | postmedia books | in promozione per i lettori Exibart.segnala


POSTMEDIA BOOKS pubblica in italiano un classico della letteratura critica degli anni 90: "Il ritorno del reale" di Hal Foster.
Il libro ripercorre la nascita di alcune tendenze e teorie dell'arte a partire dal 1960, con l'intenzione di comprendere l'arte contemporana attuale.
Hal Foster non rinuncia ad un ruolo attivo della critica d'arte rileggendo l'arte dal dopoguerra ad oggi e svelando i retroscena e le strategie di una società globale che ha favorito "una cultura visiva sempre più amministrata da un mondo dell'arte dominato da figure promozionali con scarso spirito critico".
La precisione delle sue analisi storiche e l'urgenza della sua attenzione verso il sociale hanno contraddistinto "Il ritorno del reale" come uno dei capolavori della letteratura critica degli anni Novanta.

Ai lettori di Exibart una vantaggiosa offerta con due grandi nomi della critica internazionale.
www.postmediabooks.it/exibart.htm
(fino al 15 maggio)

Parlare di Luigi (Luca) Castellano è compito più che arduo. E non certo perché è stato tra i fondatori del Gruppo 58 con pittori ormai famosi come Del Pezzo, Persico o Biasi

orario: dal lunedì al sabato dalle ore 9.00 alle ore 14.30 (possono variare, verificare sempre via telefono)

biglietti: ingresso libero

vernissage: 28 aprile 2006. ore 12.00

curatori: Pasquale Lettieri

autori: Luca Castellano

genere: arte contemporanea, personale

Nuovo spazio -con collettiva- per la galleria Bagnai a Firenze

inaugurazione venerdì 5 maggio 2006 | ore 19 | mostra e nuovo spazio espositivo | galleria alessandro bagnai | firenze


La Galleria Alessandro Bagnai apre un nuovo spazio espositivo a Firenze. Lascia Siena e i locali di via Maggio, per trasferirsi in una nuova importante sede in via Coluccio Salutati 4r. Uno spazio di grandi dimensioni, neutro, dal profilo internazionale, dotato di caratteristiche architettoniche tali da consentire anche più esposizioni in contemporanea.
La galleria inaugura venerdì 5 maggio 2006 con la mostra WALK-IN, una collettiva con quattordici giovani artisti, italiani e non, come: Massimo Barzagli, Francesco Carone, May Cornet, Vittorio Corsini, Rossella Fumasoni, Daniele Galliano, Paolo Grassino, Robin Heidi Kennedy, Paolo Leonardo, Marina Paris, Giacomo Piussi, Pierluigi Pusole, Maurizio Savini, Francesco Sena.

Tutte le opere sono state pensate e realizzate per l'occasione. La mostra trae spunto da «Alice nel Paese delle Meraviglie» di Lewis Carroll.
WALK-IN è un invito ad entrare e a percorrere una sorta di viaggio immaginario le cui tappe sono segnate dalle diverse opere che s'incontrano: installazioni, sculture, video, dipinti, disegni. Gli artisti ci proiettano in una dimensione fantastica, un luogo altro, sconosciuto, un'occasione di fuga da una realtà a volte ossessiva e disperata. Ci stimolano attraverso lo stupore e il dialogo con le opere stesse, ad attivare emozioni e sentimenti.
WALK-IN rimarrà aperta fino al 30 giugno. La mostra sarà accompagnata da un volume, edito dalla galleria, che oltre a documentare l'allestimento, raccoglierà i contributi dei vari artisti - disegni, racconti, immagini - in sintonia con lo spirito fantastico dell'esposizione.

WALK-IN
dal 5 maggio al 30 giugno 2006
orario di apertura:dal lunedì al sabato: 10.00-13.00 / 14.30 -19.00
GALLERIA ALESSANDRO BAGNAI
Via Coluccio Salutati, 4r. 50126 Firenze
t. +39 055 680266 - f. +39 055 6814190
galleriabagnai@tin.it
www.galleriabagnai.it
Ufficio stampa: Davis & Franceschini
Lea Codognato - Caterina Briganti
t. +39 055 2347273 - f. +39 055 2347361
davis.franceschini@dada.it

5 Maggio - Mostra di kimono di Etsuko Imabuchi

PicaGallery presenta: Mostra di kimono - 5 Maggio ore 18 - Etsuko Imabuchi.
I kimono che Etsuko Imbuchi espone in personale alla Picagallery il 5 maggio 2006 non sono meno eleganti e scintillanti di quelli che indossano giovani donne giapponesi a passeggio per la Ginza, quartiere famoso di Tokio, fulcro della moda giapponese. Non lo sono neppure di quelli che coprono a mezza figura l’aspetto di modelle sorridenti dall’alto di tabelloni pubblicitari affissi sui muri, o, ancora, visibili a un “defilé” di kimono da sposa, varianti per le diverse stagioni e per la preziosità delle sete e dei ricami, spesso simbolici e benauguranti.
Le stoffe, i colori, le decorazioni, che Etsuko sfoggia nei propri manufatti, nel segno d’uno gusto raffinato e di una moda à la page, colpiscono il fruitore più colto: toccano le corde più sensibili della sua fantasia e gli spiegano davanti agli occhi una scena di emakimono, pittura di tipo narrativo su rotoli orizzontali: tre suonatori di shamisen inginocchiati nella luce crepuscolare d’una stanza e due gheishe, incipriate, bianche come la calce, vestite di kimoni celeste chiaro e grigio argenteo, con ventagli d’oro nell mani. E iniziano la danza.
Se da un lato a tali immagini pittoresche eleva l’animo la fattura estetica seducente dei suoi prodotti, Etsuko, dall’altro ingenera una voglia e un piacere di indossare tale lussuoso costume e guardarsi allo specchio. Per sentirsi più importanti. Per pregustare la gioia di partecipare a un ricevimento della jet-society in un fastoso salone di castello o una cerimonia a corte.
Per Etsuko è sempre una questione di stile. E anche d’una fedeltà di appartenenza allo spirito più puro di una tradizione di arte e di cultura nipponiche, nonché d’una sensibilità aperta con classe alle suggestioni d’uno stilismo moderno.

Prof. Giuseppe Bilotta

Sul sito

Faccia a faccia

Volti sempre rivolti ad altri volti, i nostri, svolti dall’ esistenza, avvolti dal mistero della coscienza, còlti nell’ attimo in cui si mostra l’ interiorità, senza girarci troppo intorno, per una volta, almeno una. Le opere di Maurizio Cariati e Mario Loprete ci mostrano l’ effige dell’ identità umana con ricerche meditate e stratificate, come del resto ci arriva sempre la verità quando apriamo gli occhi per vederla. In questo caso l’ incontro tra due pittori si instaura con un tema di eccellenza: il ritratto, le loro opposte peregrinazioni trovano il punto di contatto nella raffinatezza dell’ indagine, non nei contenuti, indice questo di positiva autonomia, ma la cosa più importante è che comprendono entrambi i reciproci idiomi, li apprezzano vicendevolmente,  dal loro confronto nasce quindi un solare dialogo tra  superamento e attualità della pittura. 

 In Cariati la radicalità monotematica del volto è infatti fondante per lo studio di una geografia tridimensionale dell’ evento pittorico. I suoi ritratti, spesso immaginari, comunque sempre interpretati, sono pretesto per una stringatezza di termini che non lascia permeare il compiacimento della forma, una voluta liberazione dai dati di tradizione appare il centro delle sue riflessioni. L’ affiorare di un omaggiante movimento memore delle de-figurazioni di Francis Bacon prende sempre più le distanze da un fare pittura convenzionale, il cenno del suo sofferto esistenzialismo non sarebbe realizzato con fermezza altrimenti, ed ecco nelle sue opere l’ apparire delle protuberanze, le masse in tensione, dall’ interno all’ esterno, appunto un esprimere,  mai un imprimere. I suoi ritratti ci ricordano il reale vissuto di un uomo chiamato tragicamente The Elephant Man, i suoi dipinti chiedono di vivere nell’esilio di una pittura che è ancora il mezzo più ineffabile di rappresentazione delle immagini. Ma i tratti sciabolati da pennellate rapsodiche, l’ urlo ricorrente divenuto ormai un solo segno, la sintesi crescente del suo magma coloristico, la presenza austera della iuta non nascosta, ci conducono ad una pittura in cui la rappresentazione lascia sempre più il posto alla presentazione di un assunto tecnico-poetico, morale nel suo agire in re-invenzione dell’essere e apparire. Se di figure possiamo ancora parlare, esse sono sempre colpite da dentro nell’ istante in cui la maschera interiore prende il sopravvento su quella esteriore, le inquietudini divengono nelle sue soluzioni affascinanti; Edvard Munch è molto lontano oggi, ma si potrebbe ipotizzare che udirebbe bene la voce di questi dipinti. Le stesure opache di queste tele acide, dipinte con tempere, acrilici, scorrono veloci, devono essere risultato dell’ inesprimibile, un indugio di troppo e le opere perderebbero immediatamente freschezza, in tale contesto anche le forme abbozzate, plastiche, non devono avere rigori geometrici, emergono come dune di fango da una terra madre, o da sabbie mobili. Ecco perché nella sua sintesi la pittura diviene sempre più traccia e non campitura, animo veritiero e non suadenza di superficie.                                                  

Specularmente, emozionato dagli iperrealisti americani Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes etc., in Loprete nasce una rinnovata meditazione  sul ritratto inteso non solo nella fredda stupefacente tecnica allusiva ad una falsa realtà vissuta dalla modernità, proprio perché mimetica, imitativa, sgombra di psicologismi emotivi, in lui al contrario affiora un disagio sociale, un sibilo dell’ animo, un silenzio immobile proprio in quei rappers che hanno trovato nell’ orror vacui delle parole l’unico moto di sfogo, di sperata liberazione allato di una aperta condanna. Gli effigiati da Loprete sono appunto i fautori di quella contemporanea e riconosciuta cultura suburbana statunitense, in omaggio ai suoi propri referenti lontani mezzo secolo, si, ma forse veicoli di un disagio globale, interrazziale, generazionale, video-audio-foto trasmesso in tempo reale, immanente, in un flusso privo di pause. In quel suo bloccare l’immagine, mediata dalla pittura, si propaga un’onda carica di grida soffocate, di fisionomie tirate come corde, per una breve eternità mute.  Lo spirito dei ritratti di Loprete è appunto caricato nella pausa di una declamazione febbrile, l’immagine è spesso presa dalla carta patinata delle riviste musicali, rielaborata e contraddetta nella selezione, laddove i soggetti non si innamorano della propria immagine divenendo perciò essi stessi vittime narcisiste di ciò che contestano, bensì laddove ci ricordano, con le loro espressioni disturbate, radici di schiavitù e un ruolo che va appunto proprio contro la cristallizzazione dei sistemi schiaccianti, visi quasi sempre accecati da una luce estranea che li porta a raggrinzire e storcere i lineamenti. Questi temi però, nel profondo, ci fanno più propriamente apprezzare il suo bel mestiere di pittore. Gli impasti morbidi e ben torniti, l’ ombra velata di una rete di recinzione proiettata sulla pelle, i piani di campiture a raggiera delle dita di una mano che coprono interamente i connotati della faccia, i passaggi sapienti delle Terre di Siena bruciata stese fino a struggersi sugli incarnati trasfigurati dalle cromie accese di abbigliamenti forzatamente giovanilistici, tutto questo è sempre in lui non secondariamente pretesto per una sinfonia cromatica, tra gli equilibri del pieno e del vuoto, quest’ ultimo spesso parallelo, preponderante e non casuale protagonista.

                                                                                                                                                                                                                 Gianluca Murasecchi

II° edizione di Allarmi alla caserma De Cristoforis a Como

anteprima per la stampa 3 maggio | ore 11.30 | inaugurazione 4 maggio | ore 18.30 | caserma de cristoforis | como


Dal 4 al 24 maggio 2006, a Como, si terrà il secondo episodio di ALLARMI, una mostra dedicata all'arte contemporanea che sarà allestita anche quest'anno nella caserma "De Cristoforis", struttura militare tuttora operativa.
La sede, di forte suggestione, caratterizza profondamente l'esposizione visto che le opere occuperanno un'intera palazzina di due piani, con 51 sale che accoglieranno i lavori di altrettanti artisti. Il percorso espositivo, di oltre 1.000 metri quadrati, è articolato lungo 4 distinti percorsi curatoriali di altrettanti giovani critici d'arte -Cecilia Antolini, Norma Mangione, Ivan Quaroni e Alessandro Trabucco - che hanno selezionato 51 artisti rappresentativi del quanto mai vasto e variegato panorama dell'arte contemporanea.
51 diversi modi d'intendere il contemporaneo: tra artisti affermati e giovani proposte, tra pittura, fotografia, video, installazione e performance.
Artisti invitati:
Progetto [Antenna], Alice Belcredi, Maura Biava, Fabrizio Braghieri, Marianna Bussola, Marco Campanini, Enrico Cazzaniga, Mauro Ceolin, Manuele Cerutti, Emiliano Di Mauro, Angela Dufresne, Tamara Ferioli, Massimiliano Foscati, Elisa Gallenca, Michelangelo Galliani, Francesco Garbelli, Fausto Gilberti, Alessandro Giordani, Eloisa Gobbo, Marco Grassi, Leonardo Greco, Massimo Gurnari, Magdalena Kunz / Daniel Glaser, Filippo La Vaccara, Alessandro Lupi, Masbedo, Andrea Mastrovito, Barbara Mezzaro, Marcello Moscara, Maria Grazia Necardo, Matteo Negri, Olo Creative Farm, Katia Orgiana, Ozmo, Marina Paris, Chiara Pirito, Marco Porta, Tom Porta, Maurizio Rabino, David Reimondo, Michael Rotondi, Roberta Savelli, Gabriele Silvi, Valdi Spagnulo, Kinki Texas, Tonylight, Gosia Turzeniecka, Giuseppe Veneziano, Nicola Verlato, Nicola Vinci, Andrea Zucchi

Con il contributo di Comune di Como, Assessorato alla cultura, e Provincia di Como, Assessorato alla cultura Con il patrocinio di Regione Lombardia
Con il supporto di: Larusmiani, Como Servizi Urbani, Sca Mercedes e Consorzio Comense Inerti