E_mail: schubert1@interfree.it

Urll: www.schubert.it

Santa Barbara free/full and open project

Coordinatore operativo, tecnico pratico, ideatore del soggetto: Francesco Dau.
Coordinatore concettuale e sceneggiatore del progetto: Domenico Di Caterino.
Curatori protagonisti della seconda cava d'estrazione artistica annuale: Gennaro Ippolito e Giovanna Donnarumma.
Curatori vettori e ricercatori liberi d'arte contemporanea: tutti gli artisti militanti partecipanti, primavera di una nuova era dell'arte contemporanea.

NAPOLI 4-14 DICEMBRE, LINEADARTE, OFFICINA CREATIVA, VIA DOMENICO SORIANO N.34.

Seconda cava d'estrazione visibile d'arte, il "Santa Barbara free and open project" è un progetto in movimento perpetuo e dinamico, mosso da una idea di rete collettiva e condivisa di libera ricerca artistica svincolate da leggi mercantili e mode imposte.
Una annuale e dinamica cava d'estrazione snodata su di un territorio transnazionale, dove liberamente si aprono e chiudono cantieri cave di libera ricerca, gestiti direttamente dagli artisti.
Il progetto parte da una piattaforma di raccordo condivisa, democratica e partecipata, all'interno della quale non esistono leader o figure accentratrici e strutture di sistema piramidali o verticistiche, ma solo portavoce individuali di un malessere poetico ed artistico collettivo e globalizzato, anime creative mosse da utopiche ed oniriche istanze collettive, volenterose di esercitare liberamente senza nessun vincolo politico, modaiolo, politico e mercantile la propria ricerca ed essenza poetica, etica, estatica ed estetica.
In quest'ottica prospettica ogni singolo artista curatore aderente al progetto diventa un cunicolo don chisciottesco d'estrazione artistica ed un collegamento mobile e movimentista tra diverse gallerie cunicoli sotterranei.
Questa volta la seconda cava di rete annualr si rende visibile a Napoli, in uno spazio gestito da due artisti (Gennaro Ippolito e Giovanna Donnarumma.)

Il cantiere è ispirato idealmente e spiritualmente alla figura della Santa protettrice dei minatori artistici e chi si muove nel sottosuolo e nell'invisibile sommerso da logiche di mercati galleristici privati.

OBIETTIVO:
L'obiettivo primo è di dare visibilità ad opere mosse dalla fede nella ricerca artistica lontana da posti al sole e riflettori puntati, ricerche annientate, oscurate ed occultate in embrione dal nuovo ordine globale privatizzato dell'arte contemporanea sostenuto culturalmente dalla testata specializzata d'arte contemporanea "Flash Art".

Artisti vettori della seconda Cava:

Agnese Claudia Masucci,Alessandro Conticelli, Angela Campanile, Angela Raimondi, Angelo Ribezzi,Antonella Sassanelli, Antonio D'Antonio, Armando Sodano,Artemisia (Piera Bua),BiancaMaria Martinelli,Carla Battisti,Carla Carmo, Claudia Vianello, Claudio Giulianelli, Davide Iaione, Davide Stasino,Domenico Di Caterino, Donato Arcella, Emilio Napoleoni, Enrico Abategiovanni,Enzo Correnti,  Fabiola Barna, Fausto Mascia, Felice Garofalo,Flavia Sarracino,  Fra Luca, Francesca Parità, Francesco Gallo, Fulvio Martini,Gaetano Buffardo,Gec, Gennaro Ciliento, Gennaro Ippolito, Gianni Piacentini, Gianpaolo Castiglione, Giovanna Donnarumma, Giovanni Nappa, Giuseppe Della Volpe, Giuseppe Labriola, Giuseppe Pira,  Giuseppe Sebastiano Devoti, Imma Maddaloni,Ina Ripari, Ivan Hic, Kim Molinero, Laura Negrini, Luigi Affuso, Luigi Latino, Luigi Nero, Luisa Valenzano, Luna Hal, Magda Carella,Maria Petraccone, Marco Albanelli, Marco Matta, Marco Rallo, Maria Pia De  Santis, Mariangela Chianese, Marisa Trattino, Maurizio Citti, Mauro Cannavaro, Michele Del Vecchio, Paolo Buatti, Paolo Uttieri, Paolo Vitale, Paula França, Radina  Springborn, Raffaele Di Grazia, Renato Milo, Rita Cavalliere, Rodolfo Cubeta,Rosaria  Cecere, Salvatore Tavassi, Sandro Ippolito, Sasha Zelenkevich, Susanna De Paolis, Teresa Rebelo,Teresa Susy Manzo, Tommaso Tucci

Via Tito Angelini, 41 Napoli

tel / fax: 081 19565579.

e-mail: latelier@fastwebnet.it

Data vernissage: sabato 1 Dicembre 2007

Data chiusura: 22 Dicembre

Genere: Arte contemporanea, personale

Messaggi ed Emozioni di un Artista Totalmente Onnivoro

Le creazioni artistiche di ATO sono poliedriche, portatrici di un messaggio netto, particolareggiato e dal forte impatto emotivo. Messaggio ed Emozione rappresentano la centralità della sua espressione creativa fatta di colori accesi, a volte psichedelici, e veicolata da tecniche e materiali sempre diversi.

Gli stili utilizzati sono considerati dall’artista un mero strumento, e non sembra essere affezionato ad alcuna specifica corrente artistica. La pop art viene interpretata in modo personale e diviene un efficace strumento di denuncia, il disegno digitale è a volte esaltazione dell’estetica, ma più spesso contenitore di idee molto più complesse, l’arte povera viene "arricchita" da nuovi materiali. La materia quindi diviene strumento puro, forma non rigida, ma adattabile ad ogni tipo di messaggio e si fa tramite di intense emozioni.

Questa varietà ci suggerisce un’insofferenza verso gli incasellamenti, come se la catalogazione, i ruoli, l’identità schematica e schematizzata, fossero contrari all’imprevedibilità delle suggestioni che l’opera mira invece a suscitare. La riconoscibilità dell’artista è nella sua irriconoscibilità, nel suo sapersi tirar fuori dagli schemi elaborando concetti ed idee sempre nuove. Le emozioni sono poi il frutto di un’ulteriore connubio: quello tra la parola e l’immagine. Attraverso la scelta del titolo, ATO lancia il suo messaggio: "Il Cibo degli squali", Le "Inutili difese del cuore", "Il tempo delle cose", rappresentano la sintesi di un messaggio più articolato, tanto che ad ogni opera l’autore dedica un breve scritto in cui chiarisce la simbologia del quadro. E’ come se ATO voglia prendere per mano lo spettatore, non illuderlo con un titolo altisonante senza contenuto. Una fuga quindi dall’intellettualismo fine a se stesso e un intenso desiderio di comunicare anche, e sembrerebbe soprattutto, con gli uomini comuni che vivono in un epoca in cui le cose sembrano essersi sostituite ai sentimenti. Un invito rivolto a tutti a ricongiungersi con la propria anima e lasciare, almeno per un po’, la presa sulle cose.

L’artista espone 18 lavori con tecniche che vanno dalla pittura acrilica, ai quadri-scultura tridimensionali, composti da tessuto, carta e ferro, al disegno digitale su tela, alle sculture-assemblaggio.

L’esposizione, con l’ausilio di una sorta di "bussola del viaggiatore", orienta il pubblico introducendolo attraverso "zone ideali". All’interno di ogni zona è associato il pensiero di ATO su ciascuna specifica creazione.

"…Se dovessero chiedermi a quale corrente artistica appartengo" risponderei a tutte quelle che di volta in volta sento come più appropriate a trasmettere ME, dove ME è sia pronome personale sia acronimo di Messaggio ed Emozione. Così come ATO è sia la mia identità artistica sia l’acronimo di Artista Totalmente Onnivoro.

Sono le emozioni che ci spingono in ogni direzione, sono le emozioni che dominano sugli uomini, sebbene gli uomini tentino inutilmente e disperatamente di dominarle. Il mondo è casuale perché dipende dagli stati d’animo dell’individuo che si trasformano in stati d’animo collettivi, il flusso delle emozioni è imprevedibile, così come il destino di ognuno di noi. Cerchiamo di catalogare tutto, anche l’espressione artistica. La catalogazione, i ruoli, l’identità schematica e schematizzata, rassicura gli uomini. Permette di vedere le cose con concetti già visti. A me tutto questo non piace affatto. Io voglio vedere le cose da molteplici punti di vista, per questo non posso scegliere una linea precisa, una corrente prestabilita o uno stile ben individuabile per tracciare la mia identità… perché la mia identità è ATO: l’unica corrente che conosco è quella dei sentimenti, l’unica linea che vedo è tortuosa, l’unico stile che conosco è il mio.

Ciò che conta è il messaggio, non il messaggero e il messaggio artistico deve consentire al fruitore di riflettersi e di riflettere su questo e su tutti i mondi possibili.

Quanto al contenuto del messaggio, esso è mobile, fluttuante; spazia dai sentimenti, alla politica, alla società ai grandi interrogativi dell’esistenza…"

Orari apertura mostra: dal lunedì al sabato ore 17.30 – 20.00

Ingresso Libero
Vernissage: ore 18.00

Artista : Fortunato Masucci

Curatore : Paola Ricciardi

Dal 6 al 16 dicembre 2007

nelle sale della Fondazione Morra di Napoli, presso Palazzo dello Spagnuolo, debutterà in prima nazionale "ANDROMACA. Opera neoplatonica in IV stanze ricreative", il nuovo lavoro teatrale ideato da Domenico Mennillo e prodotto da lunGrabbe, in collaborazione con Fondazione Morra e E-M ARTS.

L’opera si configura come una riscrittura teatrale-performativa per ambienti architettonici sei-settecenteschi, tratta dall’omonima e celeberrima tragedia di Jean Racine rappresentata per la prima volta a Parigi il 17 novembre 1667 dinanzi al re Filippo d’Orleans, negli appartamenti della regina Enrichetta d’Inghilterra (a cui Racine dedica l’opera) .

Palazzo della Spagnuolo, progettato dall’architetto Sanfelice nel Settecento, nel cuore del Quartiere Stella, presenta una serie di ambienti-stanze comunicanti fra loro, che permettono all’opera di lunGrabbe di poter realizzare un ideale salotto "teatral-architettonico", composto da IV stanze ludico-ricreative. Il salotto dell’ANDROMACA è creato (sulla scia dei salotti elitari delle raffinate civiltà sei-settecentesche parigine e napoletane) in un unico spazio d'attività umane e in un arco temporale-rappresentativo di un'intera giornata-vita. Nella prima stanza il fruitore si trova inserito in un labirinto di sipari, una sorta di teatro del teatro, con un sipario situato al centro della stanza a fare da telo proiettivo per un piccolo "teatrino neoplatonico" di ombre realizzate da sagome in legno, azionate dai 4 attori dell’opera; i sipari della prima stanza delimitano gli accessi alle stanze successive, dove gli attori volta per volta svelano ai fruitori dell’opera oggetti e attività relative alle dinamiche delle diverse stanze. Nella seconda stanza hanno inizio le attività ludico-ricreative del salotto, messe in azione da Andromaca, Pirro, Ermione e Oreste fra un poligono regale delle abilità per bocche di fuoco (simile per funzionalità e fattura a quelli presenti nei luna park) e 4 sedie rudimentali in legno e plastica. La terza stanza ospiterà un giardino per spazi chiusi, composto da un quadrato in legno dipinto di bianco con una tettoia ricavata da rami di ulivi secchi e un prato verde a ricoprire la superficie degli spazi orizzontali dell’intera stanza; la quarta stanza, infine, ospiterà le ultime due decisive attività ricreative dell’opera, con un atipico gioco militare da tavola e un aquilone per candelabri con candele .

In occasione dell’opera verrà presentato il volume "ANDROMACA" Edizioni Morra/E-M ARTS, a cura di lunGrabbe e Domenico Mennillo, con un intervento di Lorenzo Mango.

Organizzazione e coordinamento generale: Raffaella Morra

Ufficio stampa: Fuani Marino

Relazioni esterne: Genni Caruso – Maria Pia Lauro

Info: Fondazione Morra /Palazzo dello Spagnuolo via Vergini 19 – 80137 Napoli tel 081 4420923 e-mail: info@fondazionemorra.org

Web: www.lungrabbe.it

Due artisti per rappresentare la doppia anima dell'arte tedesca alla galleria Campo di Bologna

Il festival Artisti per Alcamo propone una nuova mostra

fino al 30 dicembre 2007 | ideata e curata da emilia valenza | organizzato dall'associazione per l'arte (axa) | con la direzione artistica di giuseppe cutino | castello dei conti di modica | alcamo


IL PROGETTO
"Non esiste luogo senza genio", scrive James Hillman, il cui fine è di sottolineare l'identità peculiare di ogni territorio geografico o spazio strutturato, e come ognuno di esso possegga una propria anima; alla luce di questa riflessione non può esservi progetto al di fuori delle caratteristiche di ogni luogo e che non tenga conto delle sue trasformazioni attraverso le istanze contemporanee. La mostra d'arte contemporanea, inserita all'interno della 5° edizione del Festival ArtistiperAlcamo dal titolo "Il fondo dell'anima", si riallaccia proprio al tema di fondo dell'intera rassegna attraverso un progetto legato a un luogo particolare di Alcamo, il Castello dei Conti di Modica. Il titolo della mostra è "L'anima del castello".
Le architetture, come i paesaggi naturali o artificiali, offrono la rappresentazione visiva della storia della comunità di cui sono parte. E un castello medievale, proprio per le dimensioni dell'edificio, per la sua centralità rispetto all'intero territorio geografico, per la simbologia di cui si fa portatore, è un luogo da studiare, da scoprire e reinterpretare.
Il Castello dei Conti di Modica è un edificio simbolo della storia di questa importante cittadina siciliana, ha una storia lunga quasi settecento anni, ha rappresentato l'emblema del potere feudale in Sicilia, in quanto ricca abitazione di grandi proprietari terrieri; e poi è diventato di proprietà pubblica, assumendo un ruolo ben distante da quello precedente, ossia di carcere mandamentale, luogo di punizione, dentro le cui mura uomini rinchiusi hanno contato, fino alla fine, i giorni della loro esistenza. E infine gli ultimi quasi quarant'anni di restauri, di interventi che ne hanno mutato per certi versi le sembianze, cancellandone l'identità originaria, tanto quello di residenza nobiliare, quanto quella di carcere.
Allora dov'è la sua anima? O qual'è la sua anima? L'edificio ha subito forti e invasivi interventi di restauro, perdendo la sua "aura magica", in tal senso ad esso va restituita l'anima. Ed è questa la sfida che si pone il progetto.

IL SOPRALLUOGO DEGLI ARTISTI
Il progetto coinvolge sei artisti: Gea Casolaro Bruna Esposito + Enzo De Leonibus, Christoph Fikenscher, Marzia Migliora e Joachim Seinfeld. A loro è stato chiesto di realizzare delle opere ispirate al castello, alla ricerca di un'anima ormai perduta. La presenza degli artisti ad Alcamo, il contatto diretto con il castello e con la gente di Alcamo quali testimoni diretti di una storia, è una fase irrinunciabile in un progetto che richiede dei lavori riferiti ad un preciso contesto. L'approccio di ognuno di loro alla tematica della mostra si caratterizza per una sostanziale eterogeneità di comportamenti. La ricerca di immagini del castello, dalle più antiche alle più recenti, da parte di Gea Casolaro, ha comportato un coinvolgimento dei cittadini di Alcamo invitati, anche attraverso un appello apparso su un sito web locale, a spulciare nei loro album di ricordi alla ricerca di fotografie del sito. E poi la registrazione dell'audio, in giro per le strade di Alcamo, ha creato un contatto diretto con la gente, che scoprirà nel video della Casolaro, un sorprendente ritratto di questa cittadina. Lo sguardo di Bruna Esposito e Enzo De Leonibus si è posato sui materiali, sui colori, sugli elementi architettonici comuni al castello e al contempo agli edifici alcamesi. I due artisti hanno scelto il pluviale di terracotta quale simbolo di un'architettura-scrigno, un componente entro il quale scorre l'acqua piovana, individuando l'acqua, quindi, come metafora dell'anima del castello e del mondo. Il sopralluogo di Christoph Fikenscher si è caratterizzato per uno studio attento e approfondito dei rapporti spaziali fra l'edificio castello e il centro cittadino; una riflessione che indaga i mutamenti della storia attraverso un sostanziale "spostamento" dell'asse prospettico che legava il castello alla comunità. Il progetto della sua installazione, sorto da lunghe permanenze all'interno del castello e in particolare nella cosiddetta "stanza dei guardiani", pone in essere il rapporto tra interno ed esterno, sottolineando l'attuale incongruità tra l'edificio (non più) storico e l'Alcamo contemporanea. Per Joachim Seinfeld l'incontro con il castello si è rivelato immediatamente nella percezione di uno spazio fortemente alterato da un pesante restauro, attraverso il quale si è persa ogni identità passata. Un pavimento in cemento, ricoperto da mattoni in cotto, è una scelta che danneggia irreparabilmente l'architettura originale. Da qui il progetto di un tappeto di travertino, sul quale verranno emulsionate delle foto di una umanità legata al castello. Gli avi, i regnanti passati da questo luogo, i carcerati e via via fino a volti dei nuovi emigranti, mirano a restituire il senso di un luogo, la contaminazione delle culture passati e presenti. E Infine Marzia Migliore. Il suo sopralluogo è stato breve, perchè non poteva non individuare, d'impatto, nell'unico piccolo spazio inalterato, il cuore del castello e il luogo dove insediare la sua opera. Un sopralluogo guidato dalle sensazioni, in cui ha funzionato l'emotività e il sentimento.

L'anima del castello
Fino al 30 dicembre
Saloni del Castello dei Conti di Modica
Piazza Castello - Alcamo
orario: 9.30 - 12.30, 16.30 -19.30
Info: Tel +39 0924503890
Ufficio Stampa del Festival:
Alberto Samonà
albertosamona@libero.it
info@associazioneperlarte.it

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Tre città e tre musei ospitano l'opera fotografica di Ugo Mulas

inaugurazioni: lunedì 3 dicembre | ore 18 | maxxi | roma | martedì 4 dicembre | ore 21.30 | pac | milano | 24 giugno 2008 | gam galleria d'arte moderna | torino


Tre città, tre musei realizzano per la prima volta in Italia una vasta mostra dedicata all'opera fotografica di Ugo Mulas, dagli esordi alle opere estreme. Roma, Milano, Torino congiuntamente presentano il più ampio spaccato, che mai sia stato offerto al pubblico, della fotografia che Mulas ha dedicato al mondo dell'arte contemporanea, fulcro della sua ispirazione d'autore.
La retrospettiva, ordinata con il concorso dell'Archivio Ugo Mulas, presenta circa 600 opere suddivise in due sezioni parallele e contemporanee a Roma e a Milano. E successivamente, a giugno, confluenti in un'unica rassegna a Torino.

Roma
MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo
4 dicembre 2007 - 2 marzo 2008
Il MAXXI di Roma presenta al pubblico una selezione di circa 300 fotografie dell'archivio Mulas, che illustra l'arte in Italia tra gli anni '50 e '70. Il pubblico può seguire le varie ricerche artistiche - dallo Spazialismo all'Arte Povera e Concettuale - attraverso i ritratti dei protagonisti e i reportage sui principali eventi artistici del periodo. La mostra permette anche di studiare l'influenza dell'arte contemporanea sulla fotografia di Ugo Mulas, ricostruendo l'evoluzione che ha portato il fotografo dal reportage alla realizzazione delle Verifiche, una delle opere fondamentali nella storia della fotografia contemporanea italiana.
La mostra si articola attraverso varie sezioni parallele: Biennali, Ritratti, Eventi, Verifiche, con una struttura aperta che segue il doppio filo della documentazione dell'arte e dell'evoluzione linguistica dell'opera di Mulas. Il percorso si apre con una serie di foto dedicate al Bar Jamaica, luogo in cui il giovane Ugo Mulas conobbe molti degli artisti e degli intellettuali della Milano degli anni Cinquanta.
Le Biennali di Venezia
Una selezione di alcune delle più belle ed evocative immagini realizzate alla Biennale tra il 1954 e il 1972 illustra l'evoluzione del reportage di Ugo Mulas. Le fotografie della rassegna veneziana costituiscono anche l'asse temporale della mostra, presentando i vari movimenti artistici internazionali che si succedono nei vent'anni di attività del fotografo.
I ritratti
Questa sezione presenta una galleria dei vari protagonisti dell'arte italiana di quegli anni: non solo gli artisti, ma anche i critici, i galleristi e i collezionisti. Le immagini alternano diversi generi di ritratto, dal reportage (Adami,Manzoni, Giacometti) alla foto in studio (De Chirico, Morandi, Giulio Carlo Argan, Peggy Guggenheim) e ai ritratti d'artista. All'interno di questa sezione, alcuni "focus" approfondiscono e pongono in risalto il forte rapporto di amicizia e di collaborazione che Mulas ha intrattenuto con alcuni artisti italiani come Burri, Ceroli, Fontana, Manzù, Pascali, Schifano, Twombly.
Gli eventi
La sezione presenta una selezione di fotografie che segnano il passaggio dal reportage ad una indagine delle possibilità espressive e della fotografia, legata agli sviluppi dell'arte concettuale e del comportamento. Dalla mostra Sculture nella città a Spoleto (1962) a Campo Urbano a Como (1969), da Vitalità del Negativo a Roma (1970) al decimo anniversario del Nouveau Réalisme (1970) a Milano.
Le Verifiche
Le Verifiche (1970-1972), per la radicalità dell'analisi e lo spessore concettuale che le sostiene rappresentano le opere più significative dell'ultima stagione creativa dell'autore e il testamento più toccante della profondità cui è giunta l'esplorazione del mezzo, da parte del suo pensiero e del suo sguardo.

Milano
PAC Padiglione d'Arte Contemporanea
5 dicembre 2007 - 10 febbraio 2008
La sezione di opere presentata al PAC illustra l'evoluzione della ricerca fotografica di Ugo Mulas tra gli anni Sessanta e Settanta ed il suo passaggio dal reportage alla fotografia analitica. Il percorso della mostra si apre con le immagini di New York: arte e persone, uno dei lavori più celebri del fotografo milanese. New York: arte e persone 1964 - 1967
In questi anni l'attenzione degli artisti per i nuovi media e i fermenti della fotografia americana espressi da autori come Robert Frank e Lee Friedlander portano Mulas a superare definitivamente la tradizione del reportage classico. Le immagini della serie testimoniano i cambiamenti e la vitalità della scena artistica newyorchese: dagli happening alle serate negli atelier, in un'ottica sempre funzionale all'analisi della situazione artistica. L'incontro con artisti quali Duchamp, Warhol, Lichtenstein, Johns, Christo, Segal, Rosenquist, Dine, Oldenburg, Rauschenberg, Cage, favorisce in Mulas un'attenzione critica verso l'uso del medium fotografico che anticipa i lavori della fine degli anni Sessanta.
Nuove ricerche 1967 - 1969
La fine degli anni Sessanta è per Mulas il periodo dell'apertura alla sperimentazione sull'immagine fotografica nei vari contesti della comunicazione visiva. Nascono lavori che esplorano le diverse possibilità comunicative del mezzo: non più solo opere destinate alle riviste illustrate ma create per essere raccolte in libri e cataloghi (Campo Urbano, Vitalità del Negativo, Calder, Melotti ); in grandi provini (Johns, Newman, Noland); in cartelle fotografiche come quelle su Fontana, Duchamp e Montale; in scenografie teatrali (Wozzeck, Giro di Vite). I grandi formati, le proiezioni, le solarizzazioni, l'uso dell'iconografia del provino, sono tutti elementi che Mulas recupera dalla pratica quotidiana del suo fare, dalle sperimentazioni pop e new dada e da un'attenta rilettura della storia della fotografia, che diventa il riferimento centrale di fronte ai cambiamenti radicali apparsi alla fine del decennio. La crisi del reportage e la ricerca di nuove significazioni per un linguaggio ormai privo del suo primato d'informazione rispetto all'avanzare della televisione portano Mulas ad uno straordinario lavoro di riflessione critica sulla fotografia.
Le Verifiche
Anche la mostra milanese si chiude con l'esposizione de Le Verifiche che suggellano come ultima stazione il percorso della rassegna romana, costituendosi come il legame più esplicito che contrassegna l'unitarietà del disegno espositivo e la complementarità delle due isole in cui si articola. Non mancherà una selezione di immagini sulla Milano degli anni Cinquanta - le Periferie - che permetterà al pubblico di tornare alle origini del lavoro di Mulas, contestualizzando l'evoluzione di vent'anni di ricerca.

Torino
GAM Galleria Civica d'Arte Moderna
26 giugno 2008 - 19 ottobre 2008
Approdando a Torino le mostre di Roma e Milano confluiscono in un'unica rassegna che tocca i diversi momenti e le differenti attenzioni destinate all'immagine fotografica, componendo un corpo unitario disponibile per nuove itinerazioni, capaci di far meglio conoscere in Italia e in campo internazionale la figura e l'arte di uno dei maggiori fotografi del secondo dopoguerra.

Ugo Mulas. La scena dell'arte
A cura di Pier Giovanni Castagnoli, Lucia Matino, Anna Mattirolo

4 dicembre 2007 - 2 marzo 2008
ROMA, MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo
Via Guido Reni 2f
inaugurazione lunedì 3 dicembre, ore 12,00
Saranno presenti: Pio Baldi, Direttore generale della DARC - Vittorio Sgarbi, Assessore alla Cultura del Comune di Milano - Fiorenzo Alfieri, Assessore alla Cultura e al 150° dell'Unità d'Italia Città di Torino - Anna Mattirolo, Direttore MAXXI - Arte
Orario tutti i giorni 11-19; chiuso il lunedì chiuso il 25 dicembre e il 1 gennaio 2008
Informazioni tel 06.32101801, www.darc.beniculturali.it

MILANO, PAC Padiglione d'Arte Contemporanea
5 dicembre 2007 - 10 febbraio 2008
Orario lunedì 14.30-19.30; martedì, mercoledì, venerdì, sabato e domenica 9.30-19.30 giovedì 9.30-22.30 chiuso il 24 dicembre e il 31 dicembre 2007 il 25 dicembre 2007 e il 1 gennaio 2008 apertura dalle ore 14.30-19.30
Biglietto 5,00 euro INTERO - 3,00 euro RIDOTTO - 2,00 euro SCOLARESCHE bambini fino a 6 anni gratuito, dai 7 ai 14 ridotto
Informazioni tel 02.76009085 - www.comune.milano.it/pac

TORINO, GAM Galleria d'Arte moderna
24 giugno 2008 - 19 ottobre 2008
Orario tutti i giorni 10-18; chiuso il lunedì
Biglietto 7,50 euro INTERO - 6,00 euro RIDOTTO Gratuito il primo martedì del mese
Informazioni tel.011 4429518 - www.gamtorino.it

Promossa da Ministero per i Beni e le Attività Culturali - DARC - Direzione generale per l'architettura e l'arte contemporanee - Comune di Milano - Cultura, Comune di Torino - Fondazione Torino Musei
In collaborazione con Archivio Ugo Mulas
www.ugomulas.org
Ufficio Stampa Electa: Ilaria Maggi
tel 02 21563250 fax 02 21563314
imaggi@mondadori.it

Immagine: Marcel Duchamp, Trafalgar Square, New York, 1967

Il progetto Art in the City prosegue con Flavio Favelli a Cinecittàdue a Roma

inaugurazione sabato 1 dicembre | ore 12.00 | a cura di ludovico pratesi | cinecittàdue arte contemporanea | roma


Con la mostra dedicata a Flavio Favelli, La Terza Camera prosegue il progetto del ciclo ART IN THE CITY, a cura di Ludovico Pratesi, in cui artisti italiani della nuova generazione interpretano il "genius loci" del quartiere di Cinecittà, attraverso installazioni che leggono il rapporto tra lo spazio espositivo e il contesto urbano che lo circonda.
Dal 2 dicembre 2007 al 8 marzo 2008 La terza camera di Flavio Favelli installazione site-specific continua la rassegna che si è aperta nel febbraio 2007 con la mostra di Botto & Bruno - Waiting for the early bus.

La terza camera era la camera meno usata della casa sull'Appennino. Nella prima camera dormivano i nonni e nella seconda i miei genitori. Nella terza camera ci si mettevano i mobili in più, le pere a maturare, alla sera i cuscini a fiori audaci del dondolo del giardino. (.) Terza Camera trae ispirazione da quella terza camera. Spesso si accavallavano i ricordi e molte stanze che spesso vedo nella mia mente assomigliano alla terza camera che oramai non c'è più. Il ricordo di quella stanza è a volte nitido e appare completo all'interno del luogo dove sono come una proiezione sospesa.(F. Favelli)

La forza dell'opera di Favelli sta nella capacità di imporre a un luogo pubblico una dimensione privata, attraverso dettagli che conducono a luoghi familiari della nostra memoria, frammenti che spesso generano una struggente malinconia. Il lavoro dell'artista coinvolge dunque la nostra psiche spingendoci a decifrarne i rimandi simbolici che contiene.

Gli spazi creati da Favelli sono luoghi fisici e solidi ma nello stesso tempo sono anche luoghi mentali fatti di citazioni di spazi del nostro passato e dei nostri ricordi. L'artista affronta il suo lavoro come un artigiano che alle sue creazioni aggiunge un ingrediente fondamentale: la memoria.
Nelle sue installazioni lo spazio pubblico è tale solo quando è vuoto perché con il passaggio di ogni individuo si riempie delle sue memorie, di ricordi unici che rimangono nello spazio.
Favelli crea dunque degli "spazi interiorizzati" in cui resti, scarti e frammenti diventano pezzi di una memoria non solo personale.
L'artista ricostruisce interi ambienti totalmente anacronistici, perché hanno completamente perduto la loro funzione originaria e la loro aura. Rimettendone a posto i pezzi, Favelli è in grado di "ristrutturare" un pezzo di passato nel tempo di oggi, ma anche il tempo di ieri nello spazio di oggi. Nel momento in cui l'artista ricostruisce filologicamente un oggetto o un ambiente, gli restituisce anche l'aura, reinserendolo nella realtà non solo come immagine ma anche come struttura funzionale.
Il giovane artista capovolge il rapporto pubblico/privato attraverso la ricostruzione di un interno domestico.
Alla dimensione collettiva del consumo di massa rappresentato dal centro commerciale, si contrappone un luogo fortemente connotato, una stanza che è contenitore di sogni, visioni e memorie personali.

L'artista interviene sullo spazio espositivo di CinecittàDue Arte Contemporanea, dividendolo in due ambienti contigui, speculari e identici, collegati da un corridoio.
In ciascuno di essi viene ricreata una stanza in cui su di una sorta di palco/espositore vengono esposti oggetti del passato rinnovati e rielaborati dall'artista. Attraversando il corridoio lo spettatore può osservare solo una stanza alla volta e con uno scarto di tempo tale da conferirgli l'impressione di un deja vu, come se vedesse per la seconda volta una immagine dal passato, un sogno, una visione.
Il carattere frammentario e autoriflessivo delle installazioni di Favelli è stato spesso accostato all'atteggiamento che assume Marcel Proust nella Recherche, in cui lo scrittore manipola con straordinaria abilità il passato e il ricordo. Come Proust, Favelli maneggia schegge di memoria e vita vissuta, trasformandole in materia viva, connessa con il presente: è come se mi voltassi sempre indietro ha scritto una volta l'artista.
Favelli tuttavia non ci offre alcun criterio di lettura per interpretare i suoi ambienti, dal momento che hanno a che fare con la logica privata del sentimento e del ricordo di ognuno. L'artista non restituisce oggetti alla memoria riesumandoli, in una sorta di feticismo o di culto del passato, ma considerandoli all'interno di una "reminiscenza dialettica": propone al soggetto un luogo in cui ricostruire un suo rapporto con l'arte e con la vita attraverso un gioco di relazioni e ricordi.
La mostra è accompagnata da un catalogo con un testo critico di Ludovico Pratesi, un testo letterario di Emanuele Trevi ispirato al lavoro di Favelli e una intervista all'artista di Simona Brunetti.

Flavio Favelli (Firenze, 1967) vive e lavora a Savigno (Bologna). Dopo la Laurea in Storia Orientale all'Università di Bologna, prende parte al Link Project (1995-2001).
Ha esposto in importanti spazi pubblici e privati in Italia e all'estero (Rosé Royal Projectspace176 - Londra 2005, Vestibolo D'Aspetto Museo Pecci, Prato, Interior, IIC Los Angeles - 2004, Clandestini 50^ Biennale di Venezia - 2003; La mia casa è la mia mente, Galleria Maze, Torino - 2003; Where is my home?, IIC, Londra - 2003; Moltitudini-Solitudini, Museion, Bolzano - 2003; Exit, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino - 2002; My home is my mind, Artinprogress, Berlino - 2002).
Favelli realizza anche interventi "site specific" (Vestibolo, Sede ANAS Venezia, opera permanente, Dialogo nello Spazio: César /Favelli, Museo della Permanente, Milano - 2002; Crocicchio, Palazzo delle Papesse Siena - 2000), spesso anche in luoghi non tradizionalmente deputati all'arte (La Vetrina dell'Ostensione, Via De' Musei, Bologna - 2003; Catetere, Ex Dormitorio FS, Bologna - 2000). Nel 2007 ha esposto alla Fondazione Sandretto Re Rabaudengo di Torino e alla Fondazione Maison Rouge di Parigi. Nel 2008 realizzerà Sala d'Attesa progetto ambientale per il Pantheon di Bologna all'interno del Cimitero della Certosa che accoglierà la celebrazione di funerali laici.

ART IN THE CITY
Flavio Favelli. La Terza camera
dal 2 dicembre 2007 al 8 marzo 2008
Orario: dal lunedì al sabato, dalle ore 11.00 alle ore 19.30 aperti domenica 2 - 9 - 16 - 23 - 30 dicembre
Ingresso libero
Cinecittàdue Arte Contemporanea, Centro Commerciale Cinecittàdue
Viale Palmiro Togliatti 2, 00173 Roma
Informazioni: 06-7220910 / fax 06-7220891
direzione@cinecittadue.com
Come arrivare: Metro A, fermata Subaugusta o Cinecittà In automobile: dal GRA uscita n. 21 Tuscolano, direzione Roma Centro dal centro: San Giovanni, via Tuscolana
Parcheggio con 1.500 posti auto dove le prime due ore di sosta sono gratuite
Ufficio Stampa: Novella Mirri: tel. 06-32652596 - 335-6077971
ufficiostampa@novellamirri.it
Assistenti: Paola Saba, Flaminia Casucci, Annalisa Inzana

Giuliano Ziveri allo Spazio Espositivo Gianni Gaiti a Parma

vernissage 1 dicembre 2007 | ore 17:30 | spazio gianni gaiti | parma


VERSO L'ARTE OLTRE IL DIGITALE

L'esposizione di Giuliano Ziveri, voluta dal collezionista Gianni Gaiti che riapre per l'occasione il proprio palazzo settecentesco ad eventi artistici, giunge ad arricchire il percorso del pittore parmigiano, che negli anni è stato apprezzato in mostre personali in Francia, Germania e Grecia e in numerose collettive e concorsi. Conducendo la propria ricerca oltre il pittorico e facendo propri gli strumenti della contemporaneità tecnologica e mass-mediatica, Ziveri riprende criticamente i temi della nostra realta' e del Digitale ri-attualizzandoli, evitando di rinchiuderli semplicemente in nuove categorie, ma ponendoli sotto una luce che li sospenda e li decostruisca, per consegnarli alla riflessione e alla responsabilità dello spettatore. La cifra dell'artista diventa così la "Slogatura", lo spostamento di nozioni e dogmi che ci formano nel vivere personale e nel rapporto sociale. Di grande impatto visivo, queste opere di struttura digitale, ma composite nella loro natura, sanno concedere allo spettatore l'opportunità di costruire il proprio tempo e il proprio spazio attraverso una dimensione riscoperta dell'Arte.

Giuliano Ziveri nasce a Parma il 19 agosto 1955. Compie studi d'arte. E' allievo di Goliardo Padova, da ragazzo, e successivamente di Carlo Mattioli, uno dei più grandi pittori italiani del nostro secolo, col quale stringe un rapporto che dura per diversi anni. Insegna presso gli Istituti d'Arte di Brescia e Parma e alla scuola privata Laura Sanvitale di Parma. Negli anni '84-92, sviluppa uno dei cicli pittorici più importanti della sua ricerca: "Le Cortecce". A questo segue la grande stagione dei "Relitti", per arrivare al recente ciclo de "I Ritratti Possibili". Una breve serie di "Nature Morte" segna il limite tra i Ritratti Possibili e il nuovo ciclo dei "Paesaggi", grandi tele che invadono il territorio dell'anima con piacere inquietante. Contemporaneamente sta muovendo una nuova ricerca sull'uomo, il ritratto e la figura. Le sue opere sono nelle più importanti collezioni italiane. Vive e lavora nella sua casa studio della fine del '600 sulle colline langhiranesi, davanti alla quale si apre generosa la Val Parma

Genesi
dal 1 al 30 dicembre 2007
Spazio Espositivo "Gianni Gaiti"
piazzale Cervi 5, Parma
dal Lunedì al Sabato dalle ore 17.00 alle ore 20.00 o, previo appuntamento, con riferimento al Sig. Angelo Gallani cell. 340-1027046
ingresso libero
www.giulianoziveri.com

Franco Vaccari ritorna a Modena

dal 2 dicembre 2007 | a cura di luca panaro e roberta russo | galleria civica di modena | fotomuseo giuseppe panini | modena


Dalla scoperta dello strumento fotografico per fare arte e dell'inconscio tecnologico del mezzo, fino a provocare situazioni che inducono il pubblico a partecipare attivamente alla realizzazione delle opere. E' tra questi due poli che si dipana il viaggio creativo di Franco Vaccari, protagonista nella propria città di una significativa retrospettiva intitolata Franco Vaccari. Opere 1955/1975.
Curata da Luca Panaro e da Roberta Russo, organizzata e prodotta dal Fotomuseo Giuseppe Panini, dalla Galleria Civica di Modena e dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, la mostra è ospitata alla Palazzina dei Giardini in corso Canalgrande, e al Fotomuseo Giuseppe Panini in via Giardini 160, entrambi a Modena, dove sarà inaugurata domenica 2 dicembre 2007 rispettivamente alle 11,30 e alle 12,30.

La Palazzina dei Giardini ospita due opere inedite: C'ero anch'io 2007. esposizione in tempo reale n°37, una photomatic che scatta per chiunque lo voglia una strip di foto corredate di tutti gli elementi (occasione, luogo, data) e Radici, corpus di fotografie realizzato tra il 1955 e il 1965 che documentano la città, i suoi abitanti, i suoi riti; una serie di flash che si illumineranno soltanto al passaggio del visitatore. Completano la prima tappa della mostra la serie La città vista a livello di cane, realizzata fra il 1967 e il 1968, Il video I cani lenti, del 1971 e Trip lucido, esposizione in tempo reale n°12, un lavoro storico di Vaccari realizzato nella torre di Graz nel 1975 e "reinstallato" per l'occasione.

Il Fotomuseo Giuseppe Panini accoglie invece il visitatore con tre video: Nei sotterranei, Ventoscopio e Piloro e un altro corpus fotografico inedito, Isola di Wight (1970), un reportage particolare, dove Vaccari ha voluto che prevalesse l'automatica capacità del mezzo fotografico di registrare le dinamiche dei comportamenti piuttosto che i condizionamenti dell'autore. Ancora in gran parte inedite le opere che raccontano alcuni viaggi minimi, come Viaggio+Rito, esposizione in tempo reale n° 2, e Omaggio all'Ariosto, dove l'artista, invitato a Ferrara all'omonima mostra dedicata al poeta, ha percorso lo stesso cammino che l'autore fece a piedi da Carpi a Ferrara, scattando polaroid, incollandole alle cartoline dei paesi attraversati e inviandole per posta a Palazzo dei Diamanti.

Ad accompagnare la mostra il libro "FRANCO VACCARI. Fotografie 1955/1975" edito da Baldini Castoldi Dalai (Milano, 2007).

Franco Vaccari. Opere 1955/1975
a cura di Luca Panaro e Roberta Russo
2 dicembre 2007 - 17 febbraio 2008
Ingresso gratuito

Fotomuseo Giuseppe Panini, via Giardini 160, Modena
Orari: lunedì 15,00-17,00; martedì-venerdì 9,30-12,00; 15,00-17,00
sabato, domenica e festivi 10,00-13,00; 15,00-19,00
25, 26 dicembre, 1 gennaio 15,00-18,00
Info: tel. +39 059 224418 - info@fotomuseo.it

Galleria Civica di Modena, Palazzina dei Giardini, corso Canalgrande, Modena
Orari: martedì-venerdì 10,30-13,00; 15,00-18,00; sabato, domenica e festivi 10,30-18,00 25, 26 dicembre, 1 gennaio 15,00-18,00
chiuso il lunedì
Info: tel. +39 059.2032911/2032940 - www.comune.modena.it/galleria

Nella foto: Franco Vaccari, Lascia su queste pareti una traccia fotografica del tuo passaggio, esposizione in tempo reale n°4, XXXVI Biennale di Venezia 1972

E .C. Events Comunication

SEGNALA / REPORTS

FIT TO PRINT

printed media on recent collage

Ignasi Aballí - Rita Ackermann - Andisheh Avini - Alex Bag - John Bock - Tobias Buche - Anthony Burdin - Bjorn Copeland - Dexter Dalwood - Jim Drain - Thomas Eggerer - Phillip Estlund - Cerith Wyn Evans - Keith Farquhar - Tatiana Echeverri Fernandez - Tom Friedman - Gelitin - Isa Genzken - Tue Greenfort - Mark Grotjahn
Rachel Harrison - Richard Hawkins - Jonathan Hernández - Charline von Heyl - Thomas Hirschhorn - Christian Holstad - Nathan Hylden - Mike Kelley - Jon Kessler - Jutta Koether - Michael Krebber - Gabriel Kuri - Jim Lambie - Sherrie Levine - Justin Lieberman - Justin Lowe - Paul McCarthy & Benjamin Weissman - Lorna Macintyre
Jason Meadows - Josephine Meckseper - Matt Mullican - Albert Oehlen - Paulina Olowska - Richard Prince - Fay Ray - Kirstine Roepstorff - Sterling Ruby - Dean Sameshima - Collier Schorr - Paul Sietsema - Gibb Slife - Dash Snow - Valeska Soares - Frances Stark - Vibeke Tandberg - Vedovamazzei - Gabriel Vormstein - Nicole Wermers - Franz West - T.J. Wilcox

980 Madison Avenue, New York, NY 10021, USA

12 Novembre- 22 Dicembre 2007

November 12 - December 22, 2007

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Umberto Di Marino Arte Contemporanea
Via Alabardieri 1, 80121 - Napoli - Italia
Tel. +39 081 0609318 Fax. +39 081 2142623
umberto.dimarino@fastwebnet.it

www.galleriaumbertodimarino.com

Nuova collettiva di giovani artisti alla Fondazione Bevilacqua La Masa a Venezia

91ma COLLETTIVA GIOVANI

inaugurazione sabato 8 dicembre 2007 | ore 12.00 | galleria di piazza san marco | bevilacqua la masa | Venezia

Ventisei giovani artisti per la 91ma Collettiva della Fondazione Bevilacqua La Masa. Tanti sono i selezionati tra i 240 che hanno partecipato al concorso portando le proprie opere e documentazione presso la sede della Fondazione.
Nei giorni dedicati alla consegna si sono alternati a Palazzetto Tito, trasformandolo temporaneamente in un vivace deposito d'arte. In 72 ore sono state archiviate 365 opere, 112 opere in più rispetto all'edizione della 90ma Collettiva.
309 sono le opere tra pittura, installazione, fotografia, scultura e proposte di performance consegnate dai giovani artisti, i video e le installazioni sonore sono state invece 56.
Ottantuno le immagini grafiche per la comunicazione, il 50 per cento in più di quelle ricevute nel 2006 e che avevano toccato la soglia delle 40 domande. I dieci selezionati della Grafica avranno la possibilità di partecipare alla mostra Collettiva nella sezione dedicata alla Grafica. I giovani designer selezionati esporranno, insieme al vincitore della grafica della 91ma Collettiva, i rispettivi manifesti nella galleria di piazza San Marco.
Le opere sono state esaminate sabato 10 e domenica 11 Novembre u.s. dalla giuria selezionatrice. I giovani artisti "promossi" ora avranno la possibilità di esporre i rispettivi lavori all'interno della galleria di piazza San Marco a partire dall'8 dicembre prossimo. L'inaugurazione è prevista per le ore 12.00.
Quest'anno la Fondazione Bevilacqua La Masa giunge alla sua 91ma Collettiva, ponendosi come la mostra italiana che ha avuto un maggior numero di edizioni.
L'esposizione intende dar voce a tutti i giovani emergenti nel Triveneto. Peraltro, sono sempre più numerosi i giovani di altre regioni o di altri paesi iscritti alle università veneziane o all'archivio della Fondazione, che ad oggi conta oltre 800 nominativi. Gli artisti selezionati provengono da paesi diversi.
In comune però hanno l'arte e l'età: sono tutti giovani compresi fra i 18 e i 34 anni, che dimostrano col loro lavoro una prima maturità di intenti ed un intuito artistico che meriti di essere incentivato e sostenuto.
La rassegna ha volutamente un carattere di ricognizione e non pretende di enucleare alcuna tendenza né alcun linguaggio prevalente, evitando con ciò forzature che non sarebbero attuali né lecite data la eterogeneità dei materiali pervenuti come risposta al bando di concorso.

La mostra è realizzata grazie alla collaborazione della Fondazione di Venezia e con il supporto de: Provincia di Venezia, Regione Veneto, Azienda di Promozione Turistica della Provincia di Venezia, e del ristorante La Colomba di Venezia. Il Casinò di Venezia, la Cassa di Risparmio di Venezia e l'Azienda Servizi Integrati di San Donà hanno offerto rispettivamente: 2 contributi speciali e 2 premi acquisto.
La commissione, presieduta da Angela Vettese, che ha giudicato i 240 partecipanti era composta da Cornelia Lauf, curatrice indipendente e docente Iuav fda, Marcela Cernadas, artista, Emmanuel Berard, Palazzo Grassi, Venezia, Marzia Scalon, Galleria Radar, Mestre e Gaetano Mainenti, Artista e docente Accademia di Venezia

Verbale della Commissione della 91esima Collettiva Giovani Artisti
Alle ore 11 del 10 novembre 2007 si è riunita la commissione per stabilire la partecipazione e i premi della 91esima Collettiva della Fondazione Bevilacqua La Masa. Partecipa ai lavori anche lo staff della Bevilacqua La Masa (Marco Ferraris, Stefano Coletto, Marinella Venanzi, Giorgia Gallina, Francesca Volpato, Cecilia Cattaneo, Annabianca Traversa).
Si esaminano dapprima tutte le opere pittoriche, scultoree, installative, performative e grafiche concludendo la prima giornata di lavoro alle ore 19.30.
Ci si riunisce alle ore 11 del giorno successivo e si concludono i lavori alle ore 18.30 , dopo aver esaminato dapprima i video e aver rivisto le opere.
Ciascun lavoro è visionato tenendo conto del portfolio che lo accompagna e che descrive sia l'opera nei suoi fondamenti concettuali, sia il curriculum dell'autore.
Dopo ampia discussione su ciascuno e dopo una terza revisione sui casi dubbi si decidono i partecipanti e la distribuzione dei premi prestando attenzione alla pluralità delle tecniche e degli approcci al fare artistico.
I lavori si concludono in un clima di accordo, decidendo di ridurre a quattro la rosa dei cinque premi BLM e di assegnare quattro premi di pari importo includendo tra essi anche quella della realizzazione grafica.

Gli artisti selezionati e che daranno vita all'esposizione del 8 dicembre sono 26:
Chiara Albertoni, "Senza Titolo", pittura; Alvise Bittente, "La Divina Commedia del Giovane Artista, ovvero un salto nel vuoto omaggio a Iyves Klein", disegno; Ludovico Bomben, "Il grande tappeto", installazione ambientale; Cristiano Bovo, "Joys", installation site specific; Roberta Bruzzechesse, "Oggiesco", video; Antonio Cataldo, "Sei luglio trentuno ottobre", Libro cartaceo; Arianna Callegaro, "Metta L Sutra textile", kitting pattern; Claudia Cavallaro, "Cyanobatteri", "Cromococchi", pittura; Sub'jin D'Jung, "DEUX Repas", video; Andrea De Stefani, "In transit", installazione; Martina Dinato, "Reperti urbani", fotografia; Elisa Fabris, "Rojonegra", video; Giovanni Giaretta, "Paris", video; Goran Gogic, "Playground", pittura; Gruppo RCA, "Rifiuto con affetto", installazione; Kensuke Koike, "Mr Baku Show", video; Alessandro Laita, "In-visibilio", video; Lara Marconi, "These days", installazione; Octavian Micleusanu, "In due 1", "In due 2", fotografia; Adriano Nasuti-Wood, "Paisajes", disegni; Riccardo Perello, "Km 41", video; Lucilla Pesce e Francesca De Pieri "Un posto al sole", installazione; Giulio Squillacciotti, "San Vincenzo al Volturno Photobook", "San Vincenzo", fotografia; Lorenzo Vale, "Otto", pittura; Carlo Veneziano "Stairmachine", video; Debora Vrizzi, "Un_happy ending", video.

Premio grafica, selezionati 10
Daniele Franzi (premiato), Elisa Di Lullo, Brunno Jahara, Roberta Lombardi e Paola Monesterolo, Nera Kelava, Lorenzo Majer, Elisa Miorin e Tommaso Speretta, Filippo Piovene, Paolo Polloniato, Massimo Vaschetto

Elenco Premiati
Quattro Borse di Studio Fondazione Bevilacqua la Masa del valore di 1680 euro
. Martina Dinato
. Roberta Bruzzechese
. Gruppo Rca
. Daniele Franzi, premiato per il progetto della grafica

Contributi speciali del Casinò di Venezia
n. 2 contributi del valore di 1250 euro a:
. Alvise Bittente
. Giulio Squillacciotti

Premio Acquisto Cassa di Risparmio di Venezia
n. 1 premio acquisto del valore di 1500 euro a:
. Lorenzo Vale, Pittura
Premio Acquisto A.S.I S.p.a - Azienda Servizi Integrati Sandonà
n. 1 premio speciale del valore di 1500 euro, a:
. Adriano Nasutti Wood

91ma Collettiva Giovani
Dal 9 dicembre 2007 al 13 gennaio 2008
Orario: 10.30 - 17.30, dal mercoledì alla domenica e chiuso nei giorni: 25/12/2007 e 01/01/2008
Ingresso Gratuito
Ufficio Stampa: Fondazione Bevilacqua la Masa
press@bevilacqualamasa.it
Tel: 041/5207797
www.bevilacqualamasa.it

Mercoledì 5 dicembre ore 21.00 PAGINABIANCA al Lanificio25

Lo sguardo elettronico

Napoli e gli artisti napoletani nella videoarte

Rassegna di opere video dal Festival Internazionale di VideoArte Magmart a cura di Enrico Tomaselli

Opere di Valeria Borrelli, Gennaro Cedrangolo, Andrea Malpede, P.A.Aff., Antonio Pannullo, Michele Pesce, Antonio Sacco, e dell'artista russa Tatiana Antoshima che a Napoli ha dedicato un suo video.

Giovedì 6 dicembre ore 19.00 al Lanificio25  

Memoria e Fotografia- incontro aperto  

laboratorio di fotografia e camera oscura a cura di Liliana Contrera e Luca Anzani

Incontro aperto a coloro che sono interessati al corso di fotografia tenuto dalla fotografa argentina Liliana Contrera

e dal docente di camera oscura Luca Anzani. Vi aspettiamo per una serata di immagini, proiezioni e informazioni sul laboratorio.

se possibile confermate la vostra partecipazione: lanificio25@cra.na.it- 081-6582915-cell.331-5472201

Vi ricordiamo gli appuntamenti fissi a Trip:

pranzetto dal lun al ven h 12.30 - h 15.00

brunch ogni  sabato h 12.00 - h 16.00 (è fortemente consigliata la prenotazione)

aperò++ giov-ven- sab h 19.30 - h 22.30 (escluso sabato 8-12-2007)

In città vi segnaliamo:

Martedì 4 dicembre ore 19.00 al Penguin Café (Via Santa Lucia, 88)

Inaugurazione della personale di Bice Garzoni.

A Napoli tre tornate d'asta presso Blindarte

dal 9 dicembre 2007 | blindarte | napoli


Si terranno a Napoli, nei giorni 9 e 11 dicembre 2007, tre tornate d'asta presso Blindarte, la casa d'aste fondata nel 1999 da Blindhouse, società specializzata nei servizi di custodia, expertise e valorizzazione di oggetti e patrimoni d'arte.

- domenica 9 dicembre ore 10.30 oggetti e manifesti del 900, argenti, gioielli, porcellane ed oggetti d'arte
- domenica 9 dicembre ore 18.30 dipinti antichi, disegni antichi e dipinti XIX e XX secolo
- martedì 11 dicembre ore 18.00 arte moderna e contemporanea

Accardi, Adami, Angeli, Aricò, Arienti, Arman, Attardi, Aubertin, Baj, Baldessari, Balla, Barisani, Barnet, Bartolini, Basilé, Bellucco, Benati, Bendini, Bergolli, Berlingieri, Bertini, Beuys, Biasi, Boetti, Bowers, Brown, Caffè, Calò, Canevari, Cangiullo, Capolongo, Cappello, Caputo, Carmi, Carroll, Carta, Cascella, Castella, Castello, Cattani, Cattelan, Cavellini, Ceccobelli, Celiberti, Ceroli, Chia, Chiari, Chiesi, Chiesi, Ciacelli, Close, Colucci, Consagra, Consorti, Conti, Cotton, Crippa, Cucchi, Curcio, Dangelo, Davies, de Chirico, De Filippi, De Grandi, De Paris, De Pisis, de Simone, De Stefano, Del Pezzo, Dellerba, Deodato, Desiato, Di Blasio, Di Ruggiero, Donzelli, Dorazio, Duchamp, Dzama, Echaurren, Ernst, Esposito, Fantuzzi, Fergola, Fermariello, Festa, Finzi, Fontana, Fontana, Frunzo, Galliano, Giacomelli, Gioielli, Giordano, Girosi, Griffa, Guaitamacchi, Guida, Guida, Guidi, Gusmaroli, Guttuso, Halley, Harloff, Hoberman, Horn, Katz, Keshishian, Kolar , Kostabi, Leonardo, Lepore, LeWitt, Licata, Lichtenstein, Lippi, Lisanti, Lodola, Longobardi, Luca, Luthi, Mafai, Magritte, Marden, Marini, Martini, Matta, Mehrkens, Mendoza, Merz, Miccini, Migneco, Monachesi, Mondino, Montanarini, Montesano, Moorman, Moreni, Munari, Muniz, Nahmad, Neshat, Nespolo, Nevelson, Nido, Nigro, Nitsch, Notte, Oppenheim, Pagliacci, Paik, Paladino, Pallara, Palumbo, Paolini, Paparatti, Parigini, Patella, Patruno, Perez, Perilli, Perino e Vele , Persico, Peruzzi, Piacentino, Pignatelli, Pisani, Piscopo, Pistoletto, Pomodoro, Pozzati, Prampolini, Psaier, Rainer, Rauschenberg, Ray, Reggiani, Revilla, Ricci, Roccotelli, Rosai, Rossello, Rotella, Ruggiero, Salvo, Sassu, Schatt, Schifano, Scialoja, Scolavino, Scotto di Luzio, Serrano, Sironi, Sottsass, Spinosa, Steinbach, Ström, Sughi, Survage, Tadini, Tamburrini, Turcato, Twombly, Vacchi, Valle, Vela, Verna, Vescovi, Vitagliano, Waschimps, Zaza, Zenderoudi

Esposizione tutti i giorni dal 1 al 10 dicembre 2007 dalle 10 alle 19 in via Caio Duilio 10 - Napoli
Catalogo on line www.blindarte.com

Prosegue presso la Blindarte contemporanea la personale di Davide Cantoni fino al 10 gennaio 2008. Via Caio Duilio 4d - Napoli - www.blindarte.com

Asta
dal 9 all'11 dicembre 2007
Esposizione
dal 1 al 10 dicembre 2007
dalle 10 alle 19
Blindarte casa d'aste
via Caio Duilio 4d-10
8 0 1 2 5 - N a p o l i
tel +39 081 2395261
fax +39 081 5935042
Personale di Davide Cantoni
Blindarte contemporanea
fino al 10 gennaio 2008
via Caio Duilio 4d-10
8 0 1 2 5 - N a p o l i
info@blindarte.com
www.blindarte.com

E–mail: umberto.dimarino@fastwebnet.it

Sito web: www.galleriaumbertodimarino.com

La Galleria Umberto Di Marino Arte Contemporanea è lieta di presentare, mercoledì 12 dicembre 2007, la prima personale italiana di Santiago Cucullu dal titolo The creaky shaft.

Da sempre impegnato in un'analisi originale dei processi di decostruzione estetica, l'artista d'origine argentina basa la sua ricerca sullo smascheramento dei meccanismi legati alla globalizzazione, che nell'ultimo decennio si è fortemente imposta come fenomeno caratterizzante la contemporanea società occidentale. La rapidità con cui essa si sta estendendo su larga scala, favorita dalla potenza dei mass-media, ha provocato un abbassamento della soglia d'attenzione. La progressiva mancanza di senso critico e la perdita dell'individualità, dunque, hanno portato Santiago Cucullu ad innescare dei corto-circuiti visivi, al fine di scuotere il pubblico dal proprio torpore intellettuale, spingendolo a considerare diversi punti di vista di una storia sia personale che collettiva. Partendo, infatti, da uno specifico riferimento alle vicende politiche del Sud-America ed alle problematiche sociali tipiche di questi paesi, l'interpretazione anarchica diventa lo spunto per una visione più universale, oltre che per una singolare mescolanza di codici linguistici. Come affermato da Michelle Grabner, se il riferimento più importante è all'artista brasiliano Hélio Oiticica (1937 – 1980), fondatore tra l'altro del movimento Tropicália, è evidente una predilizione per quel complesso di teorie che Nicholas Bourriaud raggruppa sotto l'etichetta di Postproduzione. L'utilizzo continuo della citazione, attraverso le tecniche del collage e del bricolage, è comunque funzionale ad un’estetica molto personale, in cui i simboli delle tematiche rivoluzionarie sono frammentati da iconografie provenienti dal mondo dell'illustrazione o dalla pratica del ready-made.

In occasione della mostra presso la Galleria Umberto Di Marino Arte Contemporanea, le opere esposte intendono dar conto di tutta la recente produzione dell'artista, raccogliendo lavori appositamente concepiti per questo spazio.

Nella prima stanza, una serie di acquerelli di grande formato accoglieranno lo spettatore per introdurlo al linguaggio formale di Santiago Cucullu che, in bilico tra astratto e figurativo, pone su un piano bidimensionale la sovrapposizione caotica di elementi stilisticamente differenti. Grazie ad associazioni logiche inaspettate, in cui il dato cromatico fa da protagonista, lo spunto narrativo è qui offerto dall'osservazione dei rapidi cambiamenti cui è stato sottoposto di recente il territorio intorno alla città di Milwaukee, causando una serie di reazioni diverse negli abitanti. Emblematica è la posizione di una famiglia cattolica del quartiere dove abita l'artista, che ha deciso di chiudersi in casa, creando una barriera difensiva con vecchi mobili raccattati per strada. Entrando nella seconda stanza, invece, i lavori assumono una dimensione più ambientale, guardando le figure arrampicarsi sulle pareti della galleria in due wall-drawings realizzati attraverso l'uso di vinile adesivo per creare un effetto di esagerazione compositiva. L'installazione dell'ultima stanza, infine, unisce in un'unica installazione il video e la scultura minimale, in apparente contraddizione con quanto proposto precedentemente, ma in realtà inserendoli coerentemente in un discorso dove la piacevolezza dell'immagine non deve deviare l'attenzione da un contenuto sempre attuale e mai banale.

Nato nel 1969 a Buenos Aires (Argentina), Santiago Cucullu vive e lavora a Milwaukee (WI - USA).

Titolo evento: Disegni pitture
Artista: Marsil Basento

Vernissage: 7 dicembre
Data: 7 - 20 dicembre

Dal nulla, attraverso il nulla, verso il nulla. Le opere di Marsil Basento emergono dall’oscurità di una vita vissuta ai margini dell’arte, del lavoro, della famiglia. Frammenti di un discorso di cui ormai si sono perse le frasi principali, dimenticate, obliate, forse addirittura allontanate da sé.

Dopo una breve vita lavorativa Marsil si chiude alle spalle il mondo esterno rifugiandosi nel dialogo con sé stesso e con le sue opere. Nelle mie composizioni c’è sempre una figura, afferma. L’importanza di rappresentare pur sempre qualcosa, anche se attraverso il medium di linguaggi non-oggettivi. Dai disegni degli anni ’70 alle successive opere su tela, infatti, l’astrazione e la figurazione si sovrappongono costantemente per mezzo di forme e colori tenui, gentili. Reminescenze delle avanguardie del primo ‘900 si affacciano in composizioni dove la raffigurazione non è mai confusa, ma emerge sempre dall’intreccio dinamico di linee e campiture geometriche.

Nei disegni si colgono in nuce quelle forme che emergeranno col tempo attraverso la pittura. Volti e movimenti si aggrovigliano tra di loro in una sorta di leggero ed aereo surreale cubismo in cui è la linea e non la superficie ad indagare il soggetto da più punti di vista. Sguardi perplessi, diversi volti di una stessa anima, si ritrovano ad esplorare il bianco della pagina cercando "più vita".

Nelle opere su tela degli anni ’80 e ’90 figure antropomorfe, totemiche, riempiono lo spazio; presenze in cui un movimento trattenuto, potenziale, si scontra con una staticità quasi sacrale, silenziosa. Vere e proprie forme interiori, rappresentazioni visibili di passioni, razionalità, sentimenti. Il coesistere di staticità e movimento, inoltre, finisce con il determinare un singolare equilibrio tra una parte dell’immagine, che si offre placida allo sguardo, ed un’altra che tende inquieta verso l’esterno del quadro, quasi a voler fuggire, evadere da quell’ingombrante mostrarsi.

Emerge tra queste forme il mistero di visioni lontane di cui si sono ormai perse le tracce. Lo stesso Basento ha disperso nella sua memoria il ricordo di ciò che lo ha influenzato. Rimane l’opera, il segno, il gesto quantomai vitale, proprio perché riassunto di una vita, di tante parole non dette, di tante cose non fatte, di tanti luoghi non visti.
(Christian Costa)

Visita la pagina dedicata sul sito picagallery

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
+39 081426507, +39 3337388329 | pick@picagallery.it

"atlas"


vernissage venerdì 14 dicembre 2007, ore 19.00

mimmo scognamiglio arte contemporanea,

via mariano d´ayala 6, napoli.

la mostra chiude il 15 febbraio 2008 \ lun- ven
10.30-13.30/15.30-19.00

sarà presente l’artista



mimmo scognamiglio è lieto di annunciare la prima mostra personale a
napoli dell’artista inglese jason martin noto per la singolare
tecnica pittorica capace di ricreare sulla superficie monocroma
riflessi e onde di luce naturali attraverso movimenti rotatori,
slittamenti materici, che condensandosi in linee e cerchi raggiungono
l’effetto di translucenza e dinamismo che caratterizzano il suo
lavoro sin dagli esordi. ed è proprio l’uso di una materia
"nuova" a caratterizzare la serie di opere che danno il titolo
alla mostra "atlas": una materia densa, tellurica, come un magma
che si imprime sulla superficie e diffonde energia e bagliori
luminosi. si avverte in quest’ultima serie di lavori tutta la
fisicità dell’autore, il suo gesto, il segno, le tracce del
dipingere come estensione del corpo dell’artista sulla superficie,
il risultato di una lotta pura e perfetta con la materia nella
superficie.

"….lontano da ogni possibile associazione con la neutralità
seriale delle ricerche minimaliste, jason martin procede costruendo
uno spazio dove vivono sempre le inquietudini del dipingere e lo
sguardo di coloro che, osservandolo, lo abitano e percorrono. ogni
dipinto contiene una vitalità ed una tensione che non vengono mai
meno. contemporaneamente, in essi si è creato un luogo della
percezione che genera nell’osservatore quel coinvolgimento che lo
trasporta pienamente e sensorialmente all’interno di una sospesa
quiete. tensione e quiete."(dal catalogo "atlas", LMB )


mimmo scognamiglio artecontemporanea
via mariano d'ayala, 6
80121 napoli - italy
tel. +39081400871 - fax +3908119576621
www.mimmoscognamiglio.com

Terzo appuntamento con le "Sfide" al Pan di Napoli

fino al 25 febbraio 2008 | a cura di julia draganovic e fangling tseng | pan - palazzo arti napoli | napoli


Prendere consapevolezza del proprio bagaglio storico-culturale per declinarlo in una produzione artistica innovativa, superare il modello degli antenati, riuscire a dire ancora qualcosa di nuovo. Sono questi i temi di Tracce nel futuro | Footprints into the future, la mostra in corso al Pan dal 16 novembre fino al 25 febbraio curata da Julia Draganovic, Direttore Artistico del PAN, e Fangling Tseng, Curatore Capo del Kaohsiung Fine Arts Museum, Taiwan. Tracce nel futuro rappresenta il terzo degli appuntamenti espositivi del ciclo dedicato al tema delle "Sfide".
Dopo aver analizzato l'immagine dell'eroe moderno e la bellezza in un mondo postorganico è ora la volta di interrogarsi sulla possibilità, al giorno d'oggi, di un'innovazione creativa che non rinunci al bagaglio culturale, alla tradizione a e tutto quanto contribuisce a creare l'identitá di un popolo.
La risposta è nei lavori dei 12 artisti taiwanesi chiamati a raccontare con un linguaggio pienamente contemporaneo la trasformazione dell'estetica orientale e i rituali radicati nella loro cultura del buddismo e del taoismo.
Saranno esposti, tra gli altri, i manga di Hung Tunglu che si muovono nei lightbox fra gli elementi tradizionali dello spiritualismo buddhista e taoista, le pitture di Li Ming-tse che solo a prima vista sembrano tipici inchiostri cinesi, un finto sito archeologico di Tu Wei-cheng che nelle mura antiche presenta gli accessori del mondo attuale, le installazioni (in parte interattive) di Hsia Sheng-chien e di Lu Mu-jen.
In mostra troviamo anche i lavori di Chien Chieh-jen, filmmaker i cui lavori ha recentemente acquistato il MoMA di New York, che documenta le performance organizzate da ex operai in siti industriali abbandonati, per raccontare il disperato tentativo di prolungare la storia dell'economia taiwanese del novecento basata sulla manodopera.
Conclude idealmente la nostra riflessione un assaggio di meditazione zen in salsa high tech. Lin Shu-Min propone, con il suo Inner Force - Forza Interna, una gara tra due persone che sedute l'una davanti all'altra vedono le onde Alpha prodotte dal loro stesso cervello prendere la forma di fiori di loto, proiettati sul pavimento. Vince - come nella più classica delle tradizioni asiatiche - chi é piu rilassato e sa produrre, quindi, più fiori!

Tracce nel Futuro | Footprints into the Future
Dal 16 novembre 2007 al 25 febbraio 2008
Artisti: A-min, Chen Chieh-jen, Hsiao Sheng-chien, Huang Sheng-yen, Hung Tunglu, Li Jiun-yang,
Li Ming-tse, Lin Shu-min, Liu Kao Sin, Lu Mu-jen, Sheu Jer Yu, Tu Wei-cheng
Orari: feriali: 9.30 > 19.30 | festivi: 9.30 > 14.00
chiuso il martedì - la biglietteria chiude un'ora prima
ingresso 5.00 ?, ridotto 3.50 ?
Info: +39 081 795 86 / 04-05
info@palazzoartinapoli.net
www.palazzoartinapoli.net
ufficio stampa PAN
Sarah Galmuzzi
+39 081 795 86 43
sarah.galmuzzi@palazzoartinapoli.net
ufficio stampa CIVITA
Barbara Izzo
+39 06 692050220
izzo@civita.it

Organizzazione e promozione CIVITA
In collaborazione con il Kaohsiung Fine Arts Museum, Taiwan e il Council for Cultural Affairs, Taiwan

Omar Galliani alla Schoeni Art Gallery di Hong Kong

inaugurazione 13 dicembre 2007 | schoeni art gallery | hong kong

Organized by the Gallery Spazio Mazzotta in collaboration with Galleria d'arte Soave, Schoeni Art Gallery, Hong Kong, presents the exhibition Omar Galliani: Great Italian Drawing.
Schoeni Art Gallery is delighted to announce our latest exhibition Omar Galliani: Great Italian Drawing by acclaimed and recognised Italian artist, Omar Galliani on 13 December 2007. Omar Galliani has participated in three Venice Biennales, as well as numerous international exhibitions including, more recently, China. Galliani is an established artist, and his style of portraiture combines arresting realism with sensitive technical finesse to seamlessly blur the line between reality and supernatural mindfulness. For the past 30 years, Galliani's experimentation with form has evolved to greater imbibe the "soul" of his subjects within his works. Since the 80s, Galliani has exhibited an almost clairvoyant awareness of rich, spiritual nuances and dynamically combines the serenity of Oriental meditation and mantra with Western spirituality and iconography.

Technically, Galliani uses pencil, pastel and ink in his works, employing the same classic skills of chiaroscuro and sfumato as his forebears Leonardo da Vinci, Caravaggio, Tiziano and Michelangelo. Yet through his exploration of form recessing into the canvas, Galliani somehow manages to pluck soulfulness out of the 2 dimensional obscurity of the canvas. Many of Omar Galliani's subjects are young women, although his collection does include a few portraits of young men - the faces of his subject matter are at times overlaid with expressive markings or "tattoos", which creates the impression of veiling form with an otherworldly layer, lending texture and substance to an already realistic image. Through such experimentation, Galliani injects sensuality into his expressive force, drawing together emotion, eroticism, thought, reflection and a sense of infinite contemplation into the expression and stature of his figuration.

Galliani's devotion to the medium of drawing is obviously at the fore of his immaculate pieces, and in the tradition of Leonardo's dedication to perfection in pictorial form; one can sense the artist's relentless pursuit of the art of excellence. A great proportion of Galliani's works comprise portraits of faces - an anatomical region which both eastern and western traditions and ideologies have understood as being the window to the personality, and indeed the soul. In fact, some deem such a perfect representation of the human form as sinful, and yet Galliani's works emit a saintly glow of bliss and serenity, much like one would sense from a religious icon with its beatific radiance of sublime enlightenment and spirituality.

Recalling the sacred and transforming the physical into the esoteric is a rare act of artistic transubstantiation, and it is through Galliani's study and movement through the realms of dream and shadow that such divine talent and creativity emerge. Mystical wisdom, contemporary subject matter and silhouettes of private meditative force tremble with the light and dark contrasts that span human psychology and spirit to present humanity in still entirety.

Omar Galliani: Great Italian Drawing
dal 14 dicembre 2007 al 12 gennaio 2008
Schoeni Art Gallery
21-31 Old Bailey Street
Central, Hong Kong
T. 852 28698802 - F. 852 25221528
gallery@schoeni.com.hk
www.schoeni.com.hk
www.omargalliani.it
La mostra è stata organizzata dalla Galleria Spazio Mazzotta, Foro Buonaparte 60, Milano in collaborazione con la Galleria d'arte Soave, via S. Francesco d'Assisi 14, Alessandria

Galleria Overfoto, vico San Pietro a Majella 6 (piazza Bellini), Napoli
Second Life, Isola di Napoli, http://slurl.com/secondlife/NAPOLI%20ITALIA%20ITALY/25/232/26

Inaugurazione/Opening: Sabato 15 dicembre ore 19.00-23.00

dal 15 dicembre 2007 al 16 febbraio 2008 orari: martedì > sabato 11.00-13.00 mercoledì e venerdì anche 16.00-19.00

Info: www.overfoto.it info@overfoto.it 08119578345 3396441341

Gli spazi fisici della Galleria Overfoto, insieme a quelli virtuali di Second Life, accolgono la mostra dal titolo Shooting Pixels, collettiva fotografica di Marco Cadioli, Antonello Segretario e Marco Zagaria, dedicata ai luoghi - tutt’altro che materici, ma altrettanto “reali”- del cyberspazio, e ai suoi abitanti.

La galleria è stata riprodotta in 3D nel metaverso virtuale di Second Life, dove si svolgerà un'inaugurazione in contemporanea a quella del mondo reale e dove sarà possibile recarsi con il proprio avatar e visitare la mostra fino al 16 febbraio.

Se è vero che il web è una realtà alternativa, spazio vitale in continuo divenire e nel quale passiamo sempre più tempo – e il fenomeno Second Life ne è la conferma più evidente-, allora la fotografia nel web assume lo stesso valore di impronta diretta e testimonianza di qualcosa che “è stato” così come nella fotografia tradizionale.

E proprio il paesaggio costituisce il filo rosso che lega i lavori dei tre artisti: paesaggio in senso stretto, per l’installazione di Antonello Segretario- veduta a parete intera di una verdeggiante “isola” di Second Life con tanto di espansione all’esterno di prato vero-, ma pure quello “umano” per i due ritratti iperrealisti di Marco Zagaria, o entrambe le cose nel caso dei paesaggi disabitati in bianco e nero, che si alternano a immagini di reportage dal fronte delle guerre virtuali e a ritratti di avatars, per gli scatti di Marco Cadioli.

Tutto comunque non senza espliciti rimandi alla “realtà reale”, in un gioco dialettico di dentro e “dentro-altro” che trova naturale soluzione nell’esposizione in contemporanea negli ambienti tangibili della Galleria e in quelli simulati di Second Life.

info@praiano.org

www.tradizionatale.it

www.isuonideglidei.it

http://www.positanonews.it/menu/default.asp?id=9840

ORIZZONTI LONTANI

gli acquarelli di Franco Barbato 

Gli acquarelli di Franco Barbato  appartengono alla più alta tradizione della tecnica dell’acquarello con i colori che si stemperano nelle nebbie che questa tecnica sa creare e per la quale sembra nata.

Sono soprattutto paesaggi nei quali i cieli diafani acquistano quello spessore e quella proprietà che sono la materia precipua sulla quale un paesaggio si dipana e se ne perde il confine, all’orizzonte, dove il mare si confonde con il cielo e come nell’arte solo l’acquarello può mostrare.

Talvolta il paesaggio si inspessisce  nei verdi delle vallate nelle quali l’ombra conferisce malinconia. E’ una mostra questa di Barbato che sembra un’evocazione di tempi lontani e che oltre allo spazio ci fa sentire il tempo che trascorre.                                                                

 Bruno Caruso,   pittore

Il cantiere è ispirato idealmente e spiritualmente alla figura della Santa protettrice dei minatori artistici e chi si muove nel sottosuolo e nell'invisibile sommerso da logiche di mercati galleristici privati.

L'obiettivo primo è di dare visibilità ad opere mosse dalla fede nella ricerca artistica lontana da posti al sole e riflettori puntati, ricerche annientate, oscurate ed occultate in embrione dal nuovo ordine globale privatizzato dell'arte contemporanea sostenuto culturalmente dalla testata specializzata d'arte contemporanea "Flash Art".

Artisti vettori della seconda Cava:

Achille Cevoli,Agnese Claudia Masucci,Alessandro Conticelli, Angela Campanile, Angela Raimondi, Angelo Ribezzi,Antonella Sassanelli, Antonio D'Antonio, Armando Sodano,Artemisia (Piera Bua),BiancaMaria Martinelli,Carla Battisti,Carla Carmo, Carla Veronese, Claudia Vianello, Claudio Giulianelli, Davide Iaione, Davide Stasino,Domenico Di Caterino, Donato Arcella, Emilio Napoleoni, Enrico Abategiovanni,Enzo Correnti,  Fabiola Barna, Fausto Maxia, Felice Garofano,Flavia Sarracino,  Fra Luca, Francesca Parità, Francesco Gallo, Fulvio Martini,Filomena Cacciapuoti,Gaetano Buffardo,Gaetano Della Femina,Gec, Gennaro Cilento, Gennaro Ippolito, Gianni Piacentini, Gianpaolo Castiglione, Giovanna Donnarumma, Giovanni Nappa, Giuseppe Della Volpe, Giuseppe Labriola, Giuseppe Pira,  Giuseppe Sebastiano Devoti, Imma Maddaloni,Ina Ripari, Ivan Hic, Kim Molinero, Laura Negrini, Luigi Affuso, Luigi Latino, Luigi Nero, Luisa Valenzano, Luna Hal, Magda Carella,Maria Petraccone, Marco Albanelli, Marco Matta, Marco Rallo, Massimiliano Vacca, Mariangela Chianese, Marisa Trattino,Massimiliano Vacca,  Maurizio Citti, Mauro Cannavaro, Michele Del Vecchio,  Paolo Buatti, Paolo Uttieri, Paolo Vitale, Paula França, Radina  Springborn, Raffaele Di Grazia, Renato Milo, Rita Cavalliere, Rodolfo Cubeta,Rosaria  Cecere, Salvatore Tavassi, Sandro Ippolito, Sasha Zelenkevich, Susanna De Paolis, Teresa Rebelo,Teresa Susy Manzo, Tommaso Tucci

Installazione sonora: l'Orastrana

ANDROMACA. Opera neoplatonica in IV stanze ricreative, il nuovo lavoro teatrale ideato da Domenico Mennillo e prodotto da lunGrabbe, in collaborazione con Fondazione Morra e E-M ARTS, debutterà in prima nazionale dal 6 al 16 dicembre 2007 nelle sale della Fondazione Morra (Palazzo dello Spagnuolo - Napoli).

L’opera è una riscrittura teatrale-performativa per ambienti architettonici sei-settecenteschi tratta dall’omonima tragedia di Jean Racine, rappresentata per la prima volta a Parigi il 17 novembre 1667 dinanzi al re Filippo d’Orleans, negli appartamenti della regina Enrichetta d’Inghilterra (a cui Racine dedica l’opera).

Gli ambienti della Fondazione Morra, ubicati al primo piano del Palazzo dello Spagnuolo progettato dall’architetto Ferdinando Sanfelice nel Settecento, permettono all’opera di lunGrabbe di realizzare un ideale salotto "teatral-architettonico" composto da IV stanze ludico-ricreative.

Il salotto dell’ANDROMACA è creato sulla scia dei salotti elitari delle raffinate civiltà sei-settecentesche parigine e napoletane; nella prima stanza il fruitore è inserito in un labirinto di sipari, una sorta di teatro del teatro, con un sipario situato al centro della stanza a fare da telo proiettivo per un piccolo "teatrino neoplatonico" di ombre realizzate da sagome di legno manovrate dai 4 attori; i sipari della prima stanza delimitano gli accessi alle stanze successive, dove gli attori volta per volta svelano oggetti e attività relative alle dinamiche delle diverse stanze. Nella seconda stanza hanno inizio le attività ludico-ricreative del salotto, messe in azione da Andromaca, Pirro, Ermione e Oreste, fra un poligono regale delle abilità per bocche di fuoco (simile per funzionalità e fattura a quelli presenti nei luna park) e 4 sedie finemente realizzate con legno e plastica. La terza stanza ospiterà un giardino di vero prato per spazi chiusi, con all’interno un gazebo quadrato di legno dipinto di bianco, e ricoperto da una tettoia di rami di ulivi; la quarta stanza, infine, ospiterà le ultime due decisive attività ricreative dell’opera, con un atipico gioco militare da tavola e un particolare sostegno con un aquilone e due fiaccole candelabri. Le installazioni e gli oggetti sono stati ideati e realizzati da Paolo Renza, secondo un progetto di creazione e collaborazione che lo lega a lunGrabbe dal 2003.

In questa occasione sarà presentato il volume ANDROMACA (edizioni Morra/E-M ARTS), a cura di lunGrabbe e Domenico Mennillo, con un intervento di Lorenzo Mango.

- Il salotto è articolato in IV stanze ricreative che vengono abitate e vissute da quattro attori nel rituale di impersonificazione tragico dell’Andromaca. I convenuti (il pubblico?) prendono posto fra gli spazi delle IV stanze, come parte integrante di questo salotto stilizzato. Il salotto è fisicamente ideato per grandi sale o giardini di palazzi sei-settecenteschi, "ruderi museali" in cui la storia è lungamente sedimentata.

- I personaggi di Racine vengono rielaborati secondo il criterio di conoscenza mitico-universale delle loro vicende, un uso simile a quello fatto dal filosofo greco Zenone per l’elaborazione del suo paradosso di "Achille e la tartaruga": Achille come piè veloce, l’uomo conosciuto dalla Grecia per la sua mitica velocità.

- Nel caso dell’ANDROMACA i quattro personaggi di origine racineana vengono "usati" nelle partiture dell’opera per la valenza universale delle loro vicende umane in uno spazio di socializzazione normativo; in questo caso il salotto è lo spazio normativo con le sue regole precise da osservare, in cui l’uomo si confronta e scontra con altri suoi simili…

Monica Marioni in mostra a New York da Agora Gallery

vernice 20 dicembre | dalle ore 18.30 | agora gallery | new york


La giovane artista vicentina Monica Marioni sarà fra i partecipanti all' esposizione collettiva The Odyssey Within: An Exhibition of Fine Art From Italy and Greece.
L' iniziativa indaga l'attualità artistica in quel mediterraneo europeo culla storica di Cultura e Arti: dalle neo-mitologie elleniche alle ultime indagini italiane, tra le quali spicca il materico emozionale dai toni pop di Marioni.

Agora Gallery è una galleria d' arte contemporanea presente in New York dal 1984 al fine di promuovere artisti contemporanei nazionali ed internazionali. La Galleria è anche l'editrice della rivista ARTisSpectrum, distribuita principalmente a collezionisti e professionisti del settore, e la sponsorizzatrice di Art-Mine.com; fornisce inoltre l' Agora Gallery Research Service è costituito da un'equipe di professionisti che permette ai visitatori di approfondire la conoscenza di un opera o di un artista in particolare.

Monica Marioni è nata a Conegliano in provincia di Treviso il nel 1972. Scoperta ed attualmente seguita da Antonina Zaru, curatrice artistica e direttrice della Capricorno Gallery con sede a Capri e Washington D.C.; Marioni ha già partecipato a diverse mostre in Italia e all'estero; una sua opera è presente in permanenza presso l'Ambasciata d'Italia a Seoul.
L'incredibile bellezza delle opere di Marioni si deve in primis alla fondamentale capacità trasfigurativa dell' artista, capace di conferire reale grazia e forza emotive ai materiali più umili, spesso oggetti del quotidiano, addirittura semilavorati.
L'umanità plasma gli oggetti con l'ingenua miopia del fine utilitaristico, Marioni vi rintraccia l'altra forma, l' immagine che in essi vi è del loro Fattore; come gli antichi oggetti infatti raccontano gli uomini che li produssero e utilizzarono, così le opere di Marioni restituiscono istantanee delle anime contemporanee. Un' archeologia della psiche, dunque, propria e universale nel contempo, che combina con grande efficacia i cromatismi bidimensionali ed i volumi matrici in altissime sintesi iconiche di paure, desideri, inquietudini esistenziali.

The Odyssey Within: An Exhibition of Fine Art From Italy and Greece, collettiva di giovani artisti contemporanei italiani e greci
Dal 14 Dicembre 2007 al 3 Gennaio 2008
Tutti i giorni orario continuato 11 - 18
Agora Gallery
530 West 25th Street, 10001 Chelsea New York
informazioni: Italia Federico Barosco, Media Relator per Monica Marioni
tel +39 3299423343, fax +39 0444 360964
www.monicamarioni.com
marionimonica@alice.it
USA Joyce Asper, PR Coordinator / Agora Gallery
Phone: 212.226.4151 X 207, Fax: 212.966.4380
www.Agora-Gallery.com
PR@Agora-Gallery.com

Maria Pia Daidone,napoletana,frequenta l’Istituto Statale d’Arte 'Filippo Palizzi'. Conclusa lamaturità artistica, comincia ad insegnare. Negli anni Novanta ritornaall’Accademia di Belle Arti di Napoli dove segue i corsi di pittura di CarmineDi Ruggiero e si diploma nel 1996 con la tesi 'L’idea del volo nella poetica visiva di Paul Klee" per la cattedra diStoria dell’Arte.

Dal1995 Maria Pia Daidone si avvicina ad un mondo pittorico proiettato versol’informale, fino ad arrivare un anno dopo alla realizzazione della prima seriedi 'Cerchi Graffiti' e tra il 1997 e il 1998 sviluppa una selezionedi lavori intitolata 'Nonsolocerchi' dove eredità materiche, prodotteda graffi, solchi, tratti e segmenti, determinano un forte dinamismo visivo.Del 1998 è anche la serie degli "Accertamenti Metropolitani'; si tratta diun’operazione in cui l’artista, utilizzando i cosiddetti "grattini" delparcheggio ed ispirandosi alla figura dell’ "Accertatore" che vaga tra iparcheggi con il blocchetto delle multe, pronto a punire i trasgressori, riescea creare una serie di immagini ironiche e beffarde.

Dal2000 ad oggi Maria Pia Daidone parte da una serie dedicata ai birilli edelabora la sagoma del birillo conferendovi un alone enigmatico e occulto disapore antico. Le ultime opere di Maria Pia Daidone conservano semprequest’idea primigenia della sagoma incentrata sulle emozioni, i drammi, icolori, ma anche sul bianco e il nero della vita, concepita come una distesa dicorpi, che ci ricollegano alle reminescenze primordiali, ai ricordi di passatilontani o scolpiti nella nostra memoria attraverso presenze oniriche.

"RISVEGLI", l’opera esposta dallaDaidone alla LaPareteArtiContemporanee, tende a sollecitare una sorta di purificazione mitizzante eidealizzante in cui le figure dipinte possono essere considerate come simulacriposti all'originedelle nostre sensazioni. L’opera consiste in tre riquadri dipinti incasellatiin una testata di letto. Il flusso che dai corpi raffigurati si producecostantemente apre l’immaginazione ad un’eterna mutazione del loro significato.Le combinazioni, poi, che nell'ambiente pittorico si compongono, avvengonorapidamente, perché esse non richiedono che il corpo si ricomponga per interonella sua profondità e che venga all'istante compreso dalla moltitudine.Tuttavia, la mutazione impercettibile non appare affatto in contrasto con leattestazioni dei sensi: basta considerare il modo in cui tali realtà portano a noiattraverso un flusso che dalle cose esterne - le conoscenze evidenti e leconformità dei nostri saperi - riporta alle cose stesse, alla res extensa. La sagoma-corpo vista come strumento diri-generazione nel piacere, nell’aldilà, nel risveglio è un costante bersaglioverso cui scagliare i nostri smarrimenti e affrancarci da essi.

Marilina Ansaldi

ROMA | mercoled 12 dicembre 2007 - 28 febbraio 2008

inaugurazione ore 19.00

NAPOLI | venerd 14 dicembre 2007 - 28 febbraio 2008

inaugurazione ore 19.00

tel/fax 081 414306 info@studiotrisorio.com

tel/fax 06 68136189 roma@studiotrisorio.it

Mercoledì 12 dicembre 2007 dalle 21.00

Pagina Bianca al Lanificio25 con Nino Bruno e le 8 tracce

concerto di Nuovo Beat psichedelico

Nino Bruno: chitarra e voce

Peppe Sabatino: batteria e cori

Luigi Rubino: organo

contributo non obbligatorio per gli artisti: 3 euro

SEMPRE AL L25

LABORATORI 2007/2008

Abilit Aeree e circo contemporaneo

di Maria Teresa Cesaroni

Fotografia e Memoria

di Liliana Contrera e Luca Anzani

Teatro e cultura

di Anita Mosca

trip@cra.na.it lanificio25@cra.na.it
www.cra.na.it www.cra.na.it

La mostra curata dal gallerista Saverio Ammendola e dalla Dott. Elena Vuolo. Carolina Mantellini

info@galleriaverrengia.it